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Altheo "Fotografia del XX secolo": Richard Avedon.

2012-02-24T11:19:00.000+01:00

Altheo "Fotografia del XX secolo": Richard Avedon.

Richard Avedon studia filosofia alla Columbia University di New York prima di dedicarsi alla fotografia come autodidatta.
Nel 1944, incontra Alexey Brodovitch, il leggendario art director di Harper's Bazaar, con il quale collabora per molti anni. Pubblicato nel 1959, il suo libro Observations fa molto scalpore.
Brodovitch che ne ha curato l'aspetto grafico e Truman Capote il testo.
Il volume contiene innanzi tutto ritratti di famose personalità, ma anche alcune immagini con modelli.
"Sia clemente con me" ebbe a dire Henry Kissinger, prima di essere ritrattio da Avedon. Infatti, è proprio la sua mancanza di riguardi nel portare alla luce, su fondo bianco, gli aspetti più intimi dei soggetti ad attirare su di lui l'attenzione di critica e pubblico.

Grande pubblicità deriva anche dalla sua attività nel campo della moda, in cui egli esprime vivaci e realistiche concezioni visuali.

Abbandona per sempre la fotografia ideata nello studio e porta le modelle sulle strade di Parigi, nei caffè e nei varietà.

Dovima con elefanti, abito da sera di Dior, Cirque d'Hiver, Parigi, agosto 1955 è la più celebre fotografia di moda di Avedon e di certo una delle più originali.

Essa vive del fascino del contrasto ed esprime ineffabile eleganza.

Segna l'inizio di una nuova era della fotografia messa in scena: l'approccio alla moda di Avedon, sempre più minimale con il passare del tempo e vicino a quello dei suoi ritratti negli anni settanta, diviene esemplare per un'intera generazione di fotografi.

Poco più tardi, convolge pubblico e critica con la serie sulla lenta morte del padre Jacob Israel Avedon, dove egli documenta anche il proprio rapporto con il genitore, rubandogli la mimica e le espressioni che ricorda tipiche della sua giovinezza e che caratterizzano la propria visione di lui.

Si tratta anche di una commovente testimonianza della lenta decadenza di una forte personalità e del suo progressivo ritrarsi in se stessa.

Con il libro In The American West, Avedon intende infrangere il mito del West americano, il sacro mondo dell'idillio dei cowboy, per mostrarne un'altra faccia: braccianti e minatori, disoccupati e piccoli impiegati, bianchi, neri, sudamericani.

La triste immagine dell'Ovest americano che ne deriva scatena l'indignazione del pubblico e viene recepita come distruttiva.

Seguono una serie sul Luisiana State Hospital, un servizio di fotografie a grana grossa sui malati di mente e, come amara presa di posizione contro la guerra, una sequenza sulle vittime del napalm in Vietnam.

Sono le uniche sue opere in cui appaia chiaramente la violenza che Avedon ha sempre rifiutatodi rappresentare, perchè convinto che le immagini di violenza producano solo nuova violenza.

I suoi schemi fotografici a grande formato costituiscono vere pietre miliari della storia della fotografia.

Ritrasse i membri della "Warhol Factory", i "Chicago Seven", la "Ginsberg Family", il "Mission Council" e altri.

Tra i suoi ritratti, particolare rilievo va attribuito a I Generali delle figlie della rivoluzione americana, 1963.

Nato evidentemente come preparazione di un ritratto di gruppo ufficiale, affascina per la sua composizione originale e la molteplicità delle relazioni che legano le persone ritratte, che appaiono per altri versi isolate.

Ugualmente insolito è il ritartto di Charles Chaplin, nel quale quest'ultimo si finge un diavolo.

E' lo stesso Chaplin a volerla per esprimere il suo atteggiamento battagliero nel momento in cui è costretto a lasciare gli Stati Uniti a causa delle sue convinzioni politiche.

Il ritatto di Ezra Pound completamente chiuso in se stesso, quasi dolorosamente concentrato, è il principale di una serie in cui, di fronte alla macchina fotografica, lo scrittore manifesta anche mimicamante tutta la gamma dei suoi sentimenti e delle sue sensazioni.

Alla caduta del muro di Berlino, Avedon fotografa la folla in festa durante quella notte di San Silvestro del 1989. (Io c'ero).

I colori delle immagini della serie "Porta di Brandeburgo" esprimono una varietà di emozioni: dalla felicità più sfrenata alla paura del futuro.

Anzichè un reportage fotografico, Avedon propone una piccola serie di costellazioni cariche di significati sinbolici, che culminano nei contorni miniminali di una testa calva contro il cielo notturno.

Recentemente, il fotografo ha realizzato ritratti di personaggi della nobiltà italiana, dove attinge a pieni mani alle possibilità offerte dal montaggio fotografico.

Che nei primi anni della sua attività Avedon si sia anche occupato del genere del reportage è emerso dalla retrospettiva a lui dedicata nel 1994.

Avedon per il sottoscritto è sempre stato considerato il più grande fotografo di tutti i tempi.

Soltanto a New York, egli può vantare esposizioni al Museum of Modern Art, al Metropolitan Museum e al Whitney Museum of American Art.

Richard Avedon è sempre riuscito a lasciare un'impronta inconfondibile in qualsiasi genere abbia visitato.

Un grande fotografo, il migliore, nient'altro.

Altheo "Fotografia del XX secolo": Helmut Newton.

Altheo "Fotografia del XX secolo": Dorothea Lange.

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Altheo "Fotografia": "Beyondmemory". Celeste Network.

2012-02-23T20:42:00.001+01:00

"Beyondmemory": Celeste Network.

Capire il passato per costruire un futuro migliore.
Come cambia nel tempo la memoria collettiva?
Può l'uso eccessivo delle immagini cambiare i punti di vista della storia?
Quanto sono importanti le percezioni della storia nei nostri atteggiamenti attuali?
Celeste network invita fotografi e videoartisti che lavorano su questi temi a presentare le loro opere a 'beyondmemory' entro il 29 febbraio.
La quota d'iscrizione è di 30 Euro per ogni progetto che include fino a 10 immagini/video.

I 10 progetti selezionati da Giovanna Calvenzi (photo editor), Daniele De Luigi (curatore) e George Tatge (fotografo), saranno pubblicati in un catalogo e invitati alla mostra che avrà luogo nella fsm gallery della Fondazione Studio Marangoni a Firenze, dal 15 maggio al 12 giugno 2012. Alla mostra, Marinella Paderni, curatrice internazionale, scrittrice e lecturer specializzata in fotografia contemporanea e media, selezionerà i vincitori del premio:
1 ° Premio: 1.000 Euro; 2 ° Premio: 500 Euro; 3 ° Premio: 500 Euro.
Il progetto 'Beyondmemory' è nato da un'idea di Marinella Paderni e una collaborazione tra Fondazione Studio Marangoni e Celeste Network.

Altheo "proposte": Gocce d'Arte. Siracusa.

2012-02-21T14:37:00.000+01:00

Gocce d'Arte: Siracusa.

Saranno 12 i partecipanti al Trofeo Gocce d’Arte: fotografi professionisti e fotoamatori, selezionati dall’organizzazione Gocce D’Arte si sfideranno, attraverso i loro scatti esposti nelle mostre personali, dal 24 febbraio al 10 giugno, in via della Concordia 5 a Cassibile.
I primi a scendere in campo, dal 24 al 26 di questo mese, saranno Giuppy Uccello e Santo Gaetano, seguiranno gli altri 10, in ordine di calendario: Minniti Katia con Parasiliti Rantone Simone dal 9 all’11 marzo.
Donato Jennifer con Davide D'Orazio dal 23 al 25 marzo. Di Santo Angelo con Fisicaro Gaetano dal 13 al 15 aprile.
Puccio Sebastiano con Lello Fargione dall’11 al 13 maggio e Saragozza Ivan con Sapienza Simone dall’8 al 10 giugno.
I visitatori riceveranno delle schede che permetteranno loro di votare gli scatti esposti nella mostra.
Il Trofeo Gocce d’Arte sarà assegnato al Fotografo che ha ottenuto il maggior numero di voti.
La premiazione si svolgerà durante la mostra finale con tutti i partecipanti, dal 14 al 17 giugno, in concomitanza con la “Giornata Mondiale del Donatore di Sangue”.
L’organizzazione assegnerà anche dei riconoscimenti speciali: Premio Fratres, Premio Sherlock Holmes e Premio Accademia.
La Manifestazione, che è organizzata dal Gruppo Fratres Cassibile con il supporto del Consiglio Regionale Fratres Sicilia, rientra nell’attività di promozione della donazione del sangue, con l’obiettivo di far diventare questo semplice gesto un dovere sociale.
Il gruppo organizzativo è composto dal “Laboratorio Fotografico”, dal pub Pizzeria Sherlock Holmes e dalla testata giornalistica cassibale sotto la direzione artistica del Prof. Luigi Amato, docente di Estetica presso l’Accademia di Belle Arti di Reggio Calabria.
Giuppy Uccello e Santo Gaetano saranno i primi ad esporre. I titoli delle loro mostre saranno rispettivamente: “In Strada” per il primo concorrente e Bianco & Nero per il secondo. Giuppy Uccello, nata a Siracusa nel 1983, ha frequentato l'Istituto d'Arte siracusano.
La fotografa ha cominciato la pratica fotografica con l’analogico, ma nel 2005 è passata al digitale.
Uccello ha studiato restauro all'Università di Catania e attualmente continua a dilettarsi sia con la fotografia sia con la grafica. Giuppy Uccello ha vinto due concorsi fotografici: "Paesi e città", indetto dal Fotoamatore e "Oltre il Confine", indetto dal Comune di Floridia.
Gaetano Santo ha 28 anni, vive e lavora a Melilli, in provincia di Siracusa. “Gli studi
chimici e i viaggi per lavoro, spiega il fotografo, mi hanno portato a sviluppare una sensibilità verso la natura, gli scenari, la fotografia e altre forme di comunicazione non verbale.
Amo la natura, lo sport e viaggiare, inoltre, faccio motociclismo e colgo sempre qualunque tipo di occasione per immortalare momenti, paesaggi e particolari".

Altheo "Moda": Dolce e Gabbana. Campagnia Primavera-Estate 2012.

2012-02-21T14:36:00.004+01:00

La nuova campagna pubblicitaria di Dolce&Gabbana Donna Estate 2012 ches'ispira alla bellezza italiana e alle sue icone cinematografiche: Anna Magnani, Monica Vitti e soprattutto Sofia Loren.

Più che un servizio fotografico la nuova campagna pubblicitaria del marchio "Dolce&Gabbbana " richiama alla memoria il set cinematografico di un film di Pietro Germi, una di quelle indimenticabili commedie dette "all'Italiana " dove l' ironia sposa il divertimento e la tradizione incontra la modernità sfidando e sradicando, attraverso il paradosso così caro alla nostra cultura, il pregiudizio di un passato a volte troppo" tipizzato " .

Il fotografo Peruviano Mariano Vivanco mostra tutta la sua perizia in questi splendidi scatti dal sapore Mediterraneo, dove luce e colore, sembrano fondersi in un voluttuoso mondo sensoriale, fatto di pizzi, incensi, frutti polposi ed acqua di mare .
I protagonisti della campagna, nomi illustri del cinema e della moda Italiana ( Monica Bellucci, Bianca Balti e Chiara Francini per la collezione femminile: Beppe Fiorello, Francesco Scianna, Primo Reggiani, Filippo Nigro e Thomas Trabacchi per quella maschile ), paiono a proprio agio nelle vesti di matrone seducenti e galantuomini d ' un pezzo, dediti alla famiglia, fortemente legati alla terra d ' origine, la stessa che Domenico Dolce non smette mai di rievocare.

In effetti a ben guardarlo, il set fotografico della nuova collezione estiva dei due talentuosi stilisti Italiani sembre essere un prosieguo dello spot in cui una giovanissima Monica Bellucci turbava i sogni di un avvenente " picciotto " ( ragazzo in dialetto Siciliano ) pazzo d' amore al punto d' addentare un polpo in preda al delirio del desiderio represso ... lo stesso che nella calda notte estiva, attendeva sotto la finestra un cenno della donna amata.

Perchè, allora, non immaginare che i due amanti si siano finalmente congiunti e che quella rappresentata nell ' ufficialità di un atto importante quale il rito religioso, sia la loro famiglia allargata, con tanto di nonni, fratelli, figli e cugini ? A voi la scelta .

Altheo "Mostre": Artedonna. Palermo.

2012-02-21T11:37:00.000+01:00

Artedonna. Palermo.
Inaugurazione 25 febbraio 2012.

Maestranze al lavoro al Reale Albergo delle Povere di Palermo per l'allestimento della prima mostra veramente organica che sia stata sino ad oggi dedicata alle donne artiste di una importante regione italiana.
Si tratta di Artedonna.
Cento anni d'arte al femminile in Sicilia 1850 - 1950, la mostra, evento curata dalla studiosa Anna Maria Ruta e inserita nel cartellone del Circuito del Mito promosso dall'assessorato al Turismo, Sport e Spettacolo con la direzione artistica del regista Salvatore Presti.
La mostra, realizzata in collaborazione con l'assessorato regionale ai Beni culturali nello splendido palazzo Settecentesco di Corso Calatafimi, espone 170 dipinti di 33 artiste lungo un secolo vitale come quello intercorso tra il 1850 e il secondo dopo guerra: dagli ultimi splendori dei Gattopardi isolani all'esperienza unitaria, all'oggi.
La prefazione al catalogo e' di Dacia Maraini.
Il 23 febbraio alle 16.30 al Reale Albergo delle Povere e' in programma una conferenza stampa e la visita al cantiere in progress dell'allestimento con il presidente della Regione, Raffaele Lombardo, l'assessore regionale al Turismo, Sport e Spettacolo Daniele Tranchida, l'assessore ai Beni Culturali e dell'Identita' siciliana Sebastiano Missineo e la curatrice Anna Maria Ruta.
L'inaugurazione e' invece prevista per il 25 febbraio alle 18.

Altheo "Aperitivo in concerto": Bill Carrothers Trio.

2012-02-18T11:52:00.000+01:00

Altheo "Aperitivo in concerto": Bill Carrothers Trio.

Domenica 26 Febbraio 2012, ore 11.00 un grande trio per il leggendario trombettista Clifford Brown.
Bill Carrothers Trio.

Domenica 26 febbraio 2012, alle ore 11.00, presso il Teatro Manzoni di Milano, “Aperitivo in Concerto” presenta uno fra i più sofisticati e acclamati pianisti sulla scena internazionale del jazz contemporaneo: Bill Carrothers.
Come ha scritto il New York Times, Bill Carrothers è uno di quei musicisti per i quali si può spendere l'aggettivo "fenomenale" senza paura di trovarsi contestati.
Per i colori più profondi del suo jazz, per le collaborazioni, per l'inesauribile inventiva, per la capacità di evocare tutta la storia del jazz in un assolo, Carrothers, classe 1964, si difende gioiosamente dalle grandi metropoli americane continuando a mantenere la propria residenza nel suo adorato Minnesota.
E' da lì che, visita dopo visita, ha saputo sedurre la difficile New York, così come Parigi e, progressivamente, tutta l'Europa.
Carrothers, nella natia Minneapolis, è già un enfant prodige a quindici anni e da lì parte una folgorante carriera che lo porta a collaborare e registrare con i migliori: Scott Colley, Buddy DeFranco, Dave Douglas, Curtis Fuller, Eric Gravatt, Drew Gress, Tim Hagans, Billy Hart, Billy Higgins, Freddie Hubbard, Lee Konitz, James Moody, Gary Peacock, Dewey Redman, Charlie Rouse, James Spaulding, Bill Stewart, Ben Street, Ira Sullivan, Toots Thielemans e Benny Wallace tra gli altri.

I suoi dischi come leader sono di una freschezza disarmante e la direzione è salda: Carrothers punta al segreto del grande jazz, al luogo dell'anima dove solo i più dotati riescono ad arrivare.
E puntualmente vi arriva. Il suo recente ritorno al Village Vanguard ha visto New York festeggiare un nuovo grande maestro e, idealmente, un concittadino.Il pianista si presenta per la prima volta a Milano con un appassionante tributo a una leggenda del jazz, il trombettista Clifford Brown, maestro incontestato di tutti i trombettisti passati per l’hard bop.
Carrothers sarà affiancato da due strepitosi strumentisti, fra i più acclamati protagonisti della musica improvvisata di oggi: l’eccellente contrabbassista Drew Gress (a lungo collaboratore di Uri Caine e Tim Berne) e lo stupefacente batterista Bill Stewart (già a fianco, fra gli altri, di Pat Metheny, John Scofield, Lee Konitz e Michael Brecker).

Drew Gress.

Drew Gress, nato a Trenton nel New Jersey nel 1959, divide la sua attività di leader con numerosi impegni nei gruppi di artisti quali Ralph Alessi, Tim Berne, Uri Caine, Gerald Cleaver, Ravi Coltrane, Marc Copland, Fred Hersch, John Hollenbeck, Tony Malaby e Mat Maneri, ad ulteriore testimonianza della sua centralità nel jazz odierno.
Tra i contrabbassisti più attivi e richiesti del jazz contemporaneo, Gress si è rivelato leader e compositore di rara abilità, guidando due formazioni differenti, prima il quartetto Jagged Sky, che debuttò nel 1998, poi il successivo quintetto 7 Black Butterflies.
La sua musica rivela una scrittura personale ed affascinante, che combina passato ed attualità del jazz, che conosce ed utilizza al meglio i solisti coinvolti, in una proposta palpitante, di presa immediata.Il risultato della musicicalità di Gress viene anche dalla straordinaria sintesi delle personalità, anche loro tutti leader e compositori, con i quali Gress è legato da tempo in una lunga serie di collaborazioni.

Bill Stewart

Bill Stewart, batterista e pianista, si è imposto sulla scena internazionale nei 5 anni trascorsi con la band di John Scofield tra il ‘90’ e il ’95.
Autodidatta alla batteria, ha frequentato la University Of Northern Iowa e il Wayne College, dove ha studiato con Dave Samuels, Rufus Reid e Harold Mabern, e ha incontrato per la prima volta Joe Lovano.
Nel periodo trascorso al college effettua le sue prime registrazioni, dapprima con il sassofonista Scott Kreitzer e in seguito incidendo due album col pianista Armen Donelian.
Trasferitosi dopo gli studi a Brooklyn nel 1988, ha iniziato ad affermarsi sulla scena di New York, suonando in numerose jam sessions e iniziando ben presto a suonare con il Larry Goldings trio, completato da Peter Bernstein.
A una jam session cui prende parte al club Augie’s viene notato da Maceo Parker, che lo invita a partecipare all’incisione del suo album “Roots Revisited”. In seguito entra a far parte del gruppo di John Scofield, dove incontra nuovamente il suo compagno di college Joe Lovano, il quale successivamente suonerà anche in entrambi i due dischi di Stewart da leader: “Think Before You Think”, per la giapponese Jazz City, in cui oltre a Lovano suonano Dave Holland al basso e Marc Copland al piano, e “Snide Remarks”, con Bill Carrothers al piano, Eddie Henderson alla tromba e Larry Grenadier al basso.
I brani di Stewart mettono in luce una sofisticata tecnica compositiva, definita da Lovano come quella di un “suonatore di melodie all’interno del concetto di ritmo”.

Altheo "gli speciali": Le opere di Mita.

2012-02-18T11:22:00.000+01:00

Altheo "gli speciali": Le opere di Mita.

L'amore per il colore, lo spirito sociale e comunicativo, insieme al senso dell' altruismo, propri della mia personalità, hanno fatto sì che il mio percorso di studio si sviluppasse intorno alla ricerca sul colore. Il colore forte mezzo espressivo veicola emozioni.

Usato con maestria e padronanza tecnica è in grado di stimolare, sollecitare stati d'animo differenti anche in fruitori inconsapevoli e scettici.

Di matrice tipicamente psicologica il colore è stato abilmente e strategicamente utilizzato da quegli "artisti" che seguendo il loro estro hanno fatto esplodere messaggi diretti e prepotenti, dilaganti e sconfinanti.

Il viscido. 2009.

Uno dei mali che ha sempre colpito i paesi sottosviluppati è stato il non rispetto dei valori umani,da parte dei potenti,che si sono arricchiti sempre più, lasciando la popolazione ma soprattutto i bambini morire di fame.

Ci fai o ci sei?.2009.

Ci chiediamo spesso se davvero siamo fatti in un certo modo o fingiamo di esserlo, facciamo finta di non capire perché ci conviene.
In realtà non volevo mangiare il pesce piccolo, è stato il pesce piccolo a chiedermi se lo potevo mangiare.
Oggi, nella nostra società colpita da esseri viventi che tendono a comportarsi in modo meccanico, insensato e senza personalità, trovo ci sia qualcosa di drammatico e poetico nei loro comportamenti sempre più raffinati, per la complessità della vita. Bisogna sapersi difendere.

La causa potrebbe essere "il meccanismo di sopravvivenza".

La pudica indiavolata. 2009.

Dalle false apparenze una donna timida e riservata con il viso coperto rivela le ipocrisie nascoste. Il pudore è una specie di avarizia, la peggiore di tutte, "lungi dall'essere creatura pura e angelica".

Eterni Peter Pan. 2009.

Dalle false apparenze una donna timida e riservata con il viso coperto rivela le ipocrisie nascoste. Il pudore è una specie di avarizia, la peggiore di tutte, "lungi dall'essere creatura pura e angelica".

Altheo "proposte": Mostra di disegni antichi alla galleria d'Arte Moderna di Albenga.

2012-02-18T10:55:00.001+01:00

Altheo "proposte": Mostra di disegni antichi alla galleria d'Arte Moderna di Albenga.
18 febbraio- 2 giugno 2012.

Alla Galleria d’Arte Moderna di Albenga apre sabato 18 febbraio una importante mostra di disegni di maestri antichi e moderni: unico comune denominatore della rassegna è l’opera su carta. Saranno esposte una dozzina tra disegni, chine ed incisioni di grandi maestri che hanno operato tra la metà del quattrocento fino al ventesimo secolo. Una selezione di lavori tra quelli nella disponibilità della Gama che spaziano da semplici bozzetti preparatori ad opere finite.
Tra gli autori una china e penna di Giovanni Domenico Tiepolo eseguita intorno al 1750 ed utilizzata come modello per la realizzazione dei famosi affreschi dei Tiepolo sparsi soprattutto nel territorio del Veneto e proveniente dalla Collezione del Museo di Stato di Stoccarda, in Germania.
Eugène Delacroix, forse l’artista più rappresentato al Museo del Louvre, con il famoso dipinto La Libertà guida il popolo e numerosissimi quadri ed affreschi, è presente con un disegno a matita finemente eseguito che mostra una scena mitologica, proveniente dalla celebre Collezione Walter Pach
All’interno dell’esposizione troviamo Andrea Mantegna con una coppia di incisioni all’acquaforte dal titolo Lotta di Divinità Marine, collegate tra loro ed esposte in un esemplare analogo per tema e periodo nella Collezione del Museo di Stato di Berlino.
Pissarro, Bonnard e Vuillard testimoni dell’ Impressionismo e Post Impressionismo, sono presenti con altrettanti disegni a matita particolarmente intensi per tratto e composizione.
Pablo Picasso è qui rappresentato da due preziose puntesecche del periodo rosa, di grande suggestione, eseguite su carta giapponese.
Infine Balthus con il ritratto di adolescente un disegno a matita del periodo in cui viveva a Roma, di importanti dimensioni e Wassily Kandinsky con una composizione astratta del 1932, magistralmente eseguita a puntasecca durante il primo anno del soggiorno parigino dell’artista russo.
Un’ occasione unica per ammirare dal vero opere di grandi maestri offerta dalla Galleria d’Arte Moderna di Albenga, nella propria sede di Piazza San Michele 4, dal 18 Febbraio al 2 Giugno 2012, con i seguenti nuovi orari: da martedì a sabato dalle 10 alle 13 e dalle 15 alle 18.

Altheo "si raccontano": Riccardo Mari.

2012-02-17T19:21:00.000+01:00

Altheo "si raccontano": Riccardo Mari.

Classe '64, nascere e crescere da e in una famiglia normale, ahime' non è servito, il verme della melabacata ha eluso la sorveglianza, penetrato il guscio e ingarbugliato,
senza rimedio alcuno, la matassa.
Ora provateci un po' voi a trovare il bandolo!

Grande amatore di libri, riviste e cinema insegue le immagini come un satiro divoratore di dolciumi.
Ha condotto studi musicali (chitarra, tromba, arrangiamento per orchestra) e di disegno (illustrazione e fumetto) ma affetto da una grave forma allergica ai docenti.
Prevalentemente in campo artistico, ha sviluppato una forte e arrogante propensione all'autodidattismo.
Oggi si occupa principalmente di fotografia (nudi, ritratti, moda) e di satira su Facebook dove ama trastullarsi con ciniche e blasfeme vignette o strisce che fanno arrossire o a volte riempiono di orgoglio, i suoi amici.

Riccardo Mari.

Altheo "proposte": Oblivium. Claudio Scardino.

2012-02-14T10:30:00.000+01:00

Si concluderà domenica 19 febbraio Oblivium, la Mostra d’Arte Contemporanea di Claudio Scardino, curata da Francesco Luceri e Daniela Bardoscia e realizzata in collaborazione con l’Università popolare “Aldo Vallone” e il Museo d’Arte “P. Cavoti” con i patrocini del Comune di Galatina, della Provincia di Lecce e dell’Assessore al Mediterraneo, Cultura e Turismo della Regione Puglia.

Il percorso artistico ha visto protagonista, nelle sale del museo galatinese, la più recente delle performance artistiche della cosiddetta “arte partecipata” di Scardino, scultore, artista multimediale e pittore, che, formatosi nei più floridi centri artistico-culturali italiani, avvezzo a prestigiose partecipazioni a eventi d’arte nazionali e internazionali, ha conquistato con la sua scultura Athena il pubblico statunitense e con Diana ed Enrico VIII (entrambi esposti per Oblivium) l’internazionale MoMM (Museum of Modern Media).
“Finding ways to define reality and be in reality is the big question of our time” scrive l’artista e scrittrice australiana Marlene Sarroff, “Throughout his career there has been no limits to his invention, combining art with life, he looks for the most appropriate situations and then dives into the reality to be completely soaked in it”.
Conclude il suo intervento scrivendo “This is where Claudio Scardino performances, really become a magical tool”. Gli “strumenti magici” di cui parla Sarroff, sono ancora per pochi giorni a vostra disposizione.
L’Oblio è iniziato l’1 febbraio e, ancora per questa settimana, è possibile intraprendere un percorso catartico, tra i volti e i colori dell’artista leccese. I visitatori potranno ancora essere protagonisti, costretti “a consegnare nelle sapienti mani dello sculture quel pezzo di noi stessi che nasconde un embrione d’artista smarrito e confuso”, come scrive la curatrice, con l’Action Painting, intitolata “Opera Continua”, ultimo invito rivolto dallo Scardino ai visitatori, al grido bellico latino “Pugna!” (Combatti!): chi lo vorrà, armato di colori a cera (forniti in loco), potrà divenire guerriero dell’arte condivisa scardiniana.
Varcando la sottile linea rossa che simboleggia il mitologico fiume Lete, corso d’acqua di purificazione e dispensatore di dimenticanza, si attraversa l’oblio dei tempi, per ascoltare, attraverso la visione di Scardino, gli echi del passato, dei miti greci e latini, in un recupero di alcuni frammenti della nostra identità multiculturale.
Con il sovrano inglese, poi, molto apprezzato dai visitatori, si ritorna alla modernità e si approda alla seconda parte di Oblivium, nel vorticoso affacciarsi dei ricordi, che riguardano l’esperienza dell’artista.
Per concludere degnamente il percorso, sarà esposta per il week-end un’opera scultorea, inedita, di Scardino. Verrà, inoltre, predisposta una installazione audio dell’artista, accompagnamento auditivo verso l’oblio.
Chiuderà la mostra un programma speciale: a partire dalle 18.30, spettacolo di letture sceniche, sapientemente interpretate da Michela Maria Zanon (artista) e Gianluca Conte (poeta) dell’Associazione culturale “Eterarte”; a seguire, un’esibizione musicale degli alunni della Scuola Secondaria “G. Pascoli”.
Al termine, lo Scardino proporrà la realizzazione di una scultura in azione, che intersecherà con la creazione artistica teatralità e danza.
Oblivium batterà il suo crepuscolo con uno spettacolo di danza, classica e contemporanea, a cura della “Europe Dance School” di Nadia Fiorella Martina, che empirà di vita e poesia le statiche sale del Museo “P. Cavoti”.
I visitatori lasceranno questo trasognante viaggio nell’arte, musica e poesia con un rinfresco e una degustazione della simposiaca bevanda, gentilmente offerta dalle Cantine Santi Dimitri.
I curatori colgono l’occasione per ringraziare tutti i convenuti e per lanciare un messaggio: «È possibile far rivivere la nostra città, aprendosi a nuove e giovani forme di cultura. Oblivium, evento eccezionale per tutta la Puglia, è stata allestita senza un solo Euro pubblico.
Certamente, se avessimo potuto contare su qualche finanziamento, l’evento sarebbe stato ancora più prestigioso.
Ciò nonostante, è stato un successo.
Ci auguriamo, per il futuro, che le amministrazioni appoggino le forze che si stanno costituendo per una rinascita culturale del territorio, che finiscano gli oscuri tempi dei finanziamenti clientelari, per permettere al nostro territorio, ricchissimo di potenzialità storico-culturali inespresse, una crescita moderna e florida.
Oblivium è il nostro messaggio: è possibile far vivere Galatina, il Museo “Cavoti” e la Cultura. Esistono persone disposte a mettere a disposizione di tutti la loro passione e la loro esperienza.
La Cultura è la vera crescita».

Altheo "profili": Mara Brera.

2012-02-14T10:03:00.000+01:00

Altheo people: Mara Brera.

Mara Brera nasce nel 1967. Studia arte all’Istituto Statale di Gubbio e all’Accademia di Belle Arti di Perugia, dove è allieva di Bruno Cora’, Eliseo Mattiacci, Edgardo Abbozzo..
Artista poliedrica, lavora con materiali e tecniche diverse tra loro, spaziando dalla scultura alla pittura e incisione.
Il tema conduttore e interesse primario di tutto il Suo fare è lo studio dell’uomo e dell’ esistenzialismo ad esso legato, che esplica e raggiunge nell'astrattismo informale.
Realizza le sue opere con materiali legati alla tradizione del territorio in cui vive, Fabriano, dal 1200 patria della produzione della carta a mano e sede di industrie internazionali leader nel campo degli elettrodomestici e delle cappe aspiranti.

Usa la carta nelle sue opere sia come supporto pittorico che come elemento primario di assemblaggi scultorei.
Inizia il percorso espositivo nel 1986, quando frequenta ancora l’ultimo anno all’Istituto d’Arte, e da allora partecipa a numerose iniziative ed esposizioni artistiche in tutta Italia, sempre su selezione ed invito di critici ed esperti del settore.
Negli ultimi anni Mara Brera unisce alla propria ricerca artistica un ‘interesse particolare per l’acciaio.

Le industrie tipiche del suo territorio, produttrici di elettrodomestici e cappe aspiranti, scartano ogni giorno abbondanti resti di acciaio di ogni dimensione e spessore e l’artista intuisce e tenta il riciclo di tale nobile materiale per riutilizzarlo nella scultura elaborando così opere nuove, leggere, dall’impatto minimale, da poter essere utilizzate sia come opere a tutto tondo che dall’aspetto bidimensionale, trovando in tal modo un’ottima soluzione per inserire la propria creatività nell’ esigenza contemporanea del riuso e del riciclo dei materiali usati dall’uomo moderno, in una filosofia di ritorno agli aspetti più essenziali del vivere e del fare arte, in una dimensione proiettata verso la natura e la difesa dell’ambiente.

Per tali motivi negli ultimi due anni partecipa e collabora attivamente con Associazioni e persone dell’ambiente artistico che hanno i suoi stessi interessi come la Slow Art e la Land Art

Altheo "Moda": New York. Beckamp e Fustenberg regine del week.

2012-02-14T10:02:00.000+01:00

New York: Fashion Week.

Le passerelle di Victoria Beckham e di Diane von Furstenberg sono state le protagoniste, nel fine settimana, della New York Fashion Week, in calendario fino al 16 febbraio.
L'ex Spice Girl ha stupito con una collezione dai toni militari e sportivi ma senza rinunciare agli abiti fascianti come una seconda pelle, che non superqano il ginocchio e che le hanno spalancato le porte della fashion industry a stelle e strisce. A applaudirla, in sala, il marito David Beckham e la figlia Harper di appena sette mesi.
Piu' romantiche e dal sapore parigino le creazioni della vonn Fursenberg per il prossimo autunno-inverno.
Fedele alle sue accese variazioni cromatiche, con rossi e rosa e in primo piano e motivi animalier, la stilista ha optato per abiti lunguette e maglioni a collo alto, tagliati per "mostrare quanto basta".
Tra gli altri, hanno assistito alla sfilata di Diane von Furstenberg - presidente del Council of Fashion Designers e dunque regna incontrastata della fashion comunity americana, i suoi amici Oscar de la Renta, Anderson Cooper, Diane Sawyer e Barbara Walters.

Tra le curiosita' del fine settimana, i contrattempi capitati alla celebre direttrice di Vogue Anne Wintour che, secondo quanto riporta il New York Post, non solo si e' persa arrivando in ritardo allo show di Billy Reid ma, non essendo stata riconosciuta (ed essendo lei abituata a girare senza pass), le e' stato negato l'accesso al backstage della sfilata di Outsiders.
Marc Jacobs e Calvin Klein invitano seguire sul web le passerelle per il prossimo autunno inverno che saranno presentate nell'ambito della New York Fashion Week.
In vista dello show in calenderio domani, Marc Jacobs, ha lanciato il suo invito tramite Twitter definendosi elettrizzato e cogliendo l'occasione per ringraziare il suo team di collaboratori.
La Calvin Klein si e' invece affidata ad un piu' tradizionale comunicato stampa, ma solo per annunciare lo streaming in diretta della nuova collezione donna firmata da Francisco Costa che sara' presentata giovedi' 16 febbraio.
Infatti, "insieme alla sfilata e' inoltre prevista una funzione di chat in diretta tramite Twitter, si precisa nella nota, che consentira' agli spettatori di partecipare in tempo reale alle conversazioni e discutere dell'evento durante il suo svolgimento utilizzando un'unica interfaccia.

Altheo "istanti": Esecuzione a Saigon, Eddie Adams. 1969.

2012-02-13T08:33:00.001+01:00

Altheo "istanti":
Le foto vincitrici del Premio Pulitzer.
Esecuzione a Saigon, Eddie Adams. 1969.

La notte del Tet, il capodanno lunare vietnamita, del 1968, un imponente offensiva dei Vietcong si abbatte con forza sorprendente su tutto il Vietnam, elevando il livello dello scontro.
Gli attaccanti entrano in città, perfino nel cortile dell'ambasciata americana di Saigon, dove i vietcong aprirono una breccia nel muro dell'edificio prima di venire uccisi dai marines di guardia e dalla polizia militare.
Negli Stati Uniti, le cui strade erano sempre più teatro di manifestazioni contro la guerra, ci si chiedeva se il sanguinoso e costoso conflitto sarebbe mai terminato, Eddie Adams, al suo terzo incarico in Vietnam per l'Associated Press, si faceva la stessa domanda nel secondo giorno dell'offensiva, il 1 febbraio.
Era stato inviato come fotografo dei marines durante la guerra di Corea, e si era costruito una reputazione di eccellente fotoreporter dell'Associated Press all'inizio degli anni sessanta.
Ma quel giorno si trovava con il fotografo della NBC, Vo Su.
I due, vicini d'ufficio che spesso condividevano mezzi di trasporto e soffiate, avevano deciso di indagare sulle voci di scontri a Cholon, la zona cinese di Saigon.
Una volta a Cholon si guardarono attorno, ma sembrava che i combattimenti fossero minimi.
Una pagoda occupata dai vietcong era stata conquistata dai soldati vietnamiti e le macerie della battaglia si accumulavano per strada, ma nulla di più.
Stavano per andarsene, quando udirono degli spari provenire da un paio di isolati di distanza.
Adams venne a sapere in seguito che si trattava di scontri a fuoco tra i soldati dell'esercito vietnamita e vietcong infiltrati. I due si diressero verso l'azione.
Adams vide alcuni soldati vietnamiti strattonare fuori da una porta all'estremità della via un prigioniero che aveva le mani legate dietro la schiena e indossava una camicia a quadri.
Era accusato di essere una spia dei vietcong.

Scortarono l'uomo verso il punto in cui si trovarono Adams e Vo Su.
Adams ricordava che sembrava una tipica situazione newyorkese, con i poliziotti che conducono un sospetto criminale davanti alla stampa, e lui si comportò come se lo fosse.
"Ho seguito i tre uomini mentre camminavano verso di noi, scattando qualche fotografia. Quando furono vicini, forse a un metro e mezzo, i soldati si fermarono e indietreggiarono. Vidi un uomo entrare nel mirino della mia fotocamera da sinistra. Estrasse una pistola dalla fondina e la sollevò".
Anche a distanza di molti anni dall'accaduto, Adams faceva una pausa quando raccontava la storia.
Con un'alzata di spalla scuoteva la testa e i suoi occhi si aprivano un po' di più.
"Non pensavo che avrebbe sparato. Spesso durante gli interrogatori, la pistola veniva puntata alla testa dei prigionieri. Così mi preparai a scattare una di quelle fotografie...la minaccia, l'interrogatorio. Ma non andò così.
L'uomo tirò semplicemente fuori la pistola, la puntò alla testa del vietcong e gli sparò alla tempia.
Scattai la fotografia in quell'istante".
Il prigioniero cadde a terra, con il sangue che gli sgorgava dalla testa.
Eddie scattò un paio di fotografie all'uomo mentre cadeva ma non potè resistere oltre e cominciò ad andarsene.
L'uomo che aveva sparato, in seguito identificato nel tenete colonnello Nguyen Loan, capo della polizia del Vietnam del sud, si avvicinò ad Adams e disse: "hanno ucciso molti del nostro popolo. E anche del vostro".
Adams concludeva: "E' tutto ciò che disse, poi se ne andò".

Altheo "istanti": Una contro mille, Oded Balilty. 2007.
Altheo "istanti": la bambina e l'avvoltio, Kevin Carter. 1994.

Altheo "Mostre": Da Caravaggio a Bacon, l'arte secondo Testori.

2012-02-13T08:33:00.000+01:00

Ravenna. Dal 19 febbraio 2012.
Da Caravaggio a Bacon, l'arte secondo Testori.

Da Caravaggio a Bacon, dal Moroni e Pitocchetto a Giacometti , Morlotti, Manzù la grande pittura europea, antica e moderna, amata dal drammaturgo e storico dell'arte Giovanni Testori (1923-1993) è al centro di una bella esposizione, allestita dal 19 febbraio al Mar di Ravenna.
Esposte oltre cento opere fra quelle da lui più studiate e ammirate, nonché alcuni pezzi appartenuti alla sua collezione per mettere a fuoco scuole e movimenti attraverso cinque secoli d'arte. Intitolata 'Miseria e splendore della Carne: Caravaggio, Courbet, Giacometti, Bacon. Testori e la grande pittura europea', l'importante rassegna (realizzata grazie al sostegno della Fondazione Cassa di Risparmio di Ravenna) è stata curata da Claudio Spadoni, supportato da un prestigioso Comitato scientifico, composto tra gli altri da Mina Gregori, Antonio Paolucci, Andrea Emiliani.
La selezione di dipinti e sculture è stata mirata a ricostruire l'ambito delle passioni, quasi viscerali, dello scrittore di ispirazione cattolica, la cui opera è intrisa da un profondo sentimento religioso vissuto in tutta la sua spiazzante e contemporanea complessità.

Allievo di Roberto Longhi, Testori fin dai primi anni '50 intraprese con successo un'infaticabile attività di critica d'arte con pubblicazioni e mostre. I suoi studi si concentrarono soprattutto sulla pittura lombarda, dal realismo cinquecentesco al manierismo de XVIII secolo , anche se l'interesse dominante per l'arte antica e moderna non gli impedì di avvicinarsi a pittori a lui contemporanei come Guttuso, Cassinari, Morlotti, di cui seguiva con amicizia l'evoluzione espressiva.
Il percorso della mostra si articola quindi in diverse sezioni dedicate appunto ai vari periodi della storia dell'arte studiati dal critico milanese e agli artisti da lui amati, a partire dai suoi primi scritti su Manzù, Matisse, Morlotti, poi i francesi Courbet e Gericault.
Ampio spazio è stato dedicato agli approfondimenti e alle riscoperte nell'ambito della pittura di realtà in Lombardia del '500, con opere di Gaudenzio Ferrari, Foppa, Savoldo, Romanino, Moretto, mentre per il '600 ecco i capolavori di Moroni, Ceresa, Fra Galgario, Ceruti.
Si prosegue con i manieristi lombardo-piemontesi (Cerano, Morazzone, Daniele Crespi, Cairo) accompagnati da Caravaggio, grande passione dichiarata di Testori.

Del Merisi sono in mostra il famoso 'Ragazzo morso dal ramarro' custodito dalla Fondazione Roberto Longhi e un foglio (attribuito) con Testa di putto, uno studio per la Natività dell'Oratorio di Palermo sul recto e lo Studio per una figura e per una mano sul verso.
Si prosegue con l'attenzione del critico a esponenti della Nuova Oggettività (Dix, Grosz, Radzwill), Nuovi Selvaggi (Fetting, Hodicke, Zimmer, Salomé) e Nuovi Ordinatori (Albert, Chevalier, Schindler, Merkens), per finire ai più celebrati Bacon, Giacometti, Sutherland, Sironi, Guttuso, Gruber, Marini, fino a Cucchi e Paladino.
Di ognuno di questi artisti sono esposte diverse opere, in alcuni casi quelle stesse scelte e possedute da Testori. La rassegna presenta infine anche un omaggio a Testori con la selezione di ritratti fra i tanti eseguiti da diversi pittori per lo studioso.

Altheo "Design del XX secolo": Mario Botta.

2012-02-13T08:30:00.001+01:00

Altheo "Design del XX secolo": Mario Botta.

Dal 1958 al 1961 Mario Botta fece l'apprendista come disegnatore tecnico nello studio degli architetti Tita Carloni e Luigi Camenischi.
Dal 1961 al 1964 frequentò il Liceo Artistico a Milano e con Genestrerio progettò una casa per il clero dalle forme fortemente geometriche.
Dal 1964 al 1969 studiò architettura all'Istituto Universitario di Architettura a Venezia.
Nel 1965 lavorò per breve tempo nell'ufficio parigino di Le Corbusier e nello studio veneziano di Jullian de la Fuente e Josè Oubrerie.
Nel 1969 a Lugano, aprì uno studio di design e architettura e conobbe Louis Kahn. Collaborò poi alla progettazione del nuovo Palazzo dei Congressi Laurea all'UIA di Venezia.

Negli anni settanta Botta lavorò soprattutto a progetti di architettura, fra cui il Palazzo degli uffici della Staatsbank di Frisburgo e numerose case, fra cui quella significativa di Ligornetto.
Negli anno ottanta Botta rivolse l'attenzione al design di mobili. La sua sedia Seconda del 1982 e la poltrona Quinta del 1986, entrambe prodotte da Alias, sono esempi emblematici del cosiddetto stile "Matt Black", di breve vita.

I design singolari e dalla struttura geometrica ben marcata rivelano il background da disegnatore tecnico di Botta. La sua lampada Shogun Terra, progettata nel 1985 per Artemide, con linee geometriche molto marcate potenziate dalle righe bianche e nere che la rendono simile a un totem, è un elegante conferma del suo motto "la geometria è equilibrio.

L'opera di Botta, che può essere descritta come "Neo-High-Tech", rappresenta un aspetto pèiù soffisticato e razionale del Post-Modernismo.

Altheo "design del XX secolo": Enzo Mari.

Altheo "design del XX secolo": Ross Lovegrove.

Altheo "design del XX secolo": Kenneth Grange.

Altheo "design del XX secolo": Marcello Nizzoli.

Altheo "design del XX secolo": Eero Aarnio.

Altheo "design del XX secolo": Pauyl Theodore Frankl.

Altheo "design del XX secolo": Bruno Munari.

Altheo "design del XX secolo": Gae Aulenti.

Altheo "design del XX secolo": Alessandro Mendini.

Altheo "design del XX secolo": Stefano Giovannoni.

Altheo "design del XX secolo": Angelo Mangiarotti.

Altheo "design del XX secolo": Sergio Asti.

Altheo "design del XX secolo": Carlo Mollino.

Altheo "design del XX secolo": Cini Mariani Boeri.

Altheo "Tribute": Whitney Houston.

2012-02-12T12:15:00.001+01:00

La cantante americana Whitney Houston è morta all'età di 48 anni.
Lo ha comunicato il suo agente ai media americani.
Whitney si trovava, insieme a parenti e amici, nell'albergo di Beverly Hills per prendere parte ieri sera ad una serata organizzata a margine dei Grammy Awards, che si terranno tra poche ore a Los Angeles.
Ancora ignote le cause.

Le cause esatte della morte della popstar restano ancora indeterminate e gli investigatori continuano a lavorare nella sua stanza al quarto piano del Beverly Hilton per precisarne le circostanze, rende noto la polizia.
Una persona del suo entourage ha chiamato i soccorsi alle 15:43 e il personale di sicurezza ha subito tentato di rianimarla, ma inutilmente. Secondo la Cnn sarebbe stato il suo compagno, il cantante Ray-J, a dare per primo l'allarme. Tanti i messaggi di cordoglio apparsi subito sui social network. "Ho il cuore spezzato e sono in lacrime per la morte scioccante del mio amica, l'incomparabile Whitney Houston ", ha scritto la cantante Mariah Carey su Twitter.
Già alla vigilia della magica notte dei Grammy, si era sparsa la notizia che Whitney si trovasse in gravissime condizioni. La sua storia è il dramma di una grandissima artista per anni ai vertici delle classifiche, amata e venerata da milioni di fan, passata in pochi anni dal paradiso del successo all'inferno della droga e della depressione.

Oltre ai noti abusi di cocaina, marijuana e psicofarmaci, Whitney ha sofferto drammaticamente il fallimento del suo matrimonio con il cantante Bobby Brown, durato dal 1992 al 2006.
Nata nella periferia del New Jersey, il padre era un militare e la madre Cissy era una cantante di gospel. L'arte e il canto era una dote di famiglia: Whitney era cugina della star pop Dionne Warwick e figlioccia della grande Aretha Fraklin. Raggiunse l'apice del suo successo molto giovane, grazie alla sua voce meravigliosa, dall'enorme intensità e potenza.
Nel 1986 vinse il Grammy e per anni dominò la scena con tantissimi successi mondiali. Nella Billboard Hot 100 riuscì a piazzare sette singoli consecutivi al numero uno, battendo il record di cinque appartenete a stelle del calibro di Diana Ross, e perfino dei Beatles.

Assieme a Michael Jackson detiene il record dell'artista di colore di maggior successo. Si calcola che nella sua breve ma intensissima carriera abbia venduto circa 190 milioni di dischi.
Per anni è Whitney stata la stella, la ragazza d'oro dell'industria discografica.
Ma raggiunse anche la grandissima popolarità con le sue apparizioni sul grande schermo in film come "The Bodyguard", al fianco di Kevin Kostner, la cui colonna sonora ha venduto 45 milioni di copie.

Con la sua musica e il suo sex appeal ha influenzato una generazione di giovani cantanti, come Christina Aguilera e Mariah Carey.
Dopo gli anni del successo il crollo e la disperazione: da tempo faceva abuso di cocaina, marijuana e pillole varie. In un'intervista del 2002, disse: "Il più grande demonio sono io.
Posso essere il mio miglior amico o il mio nemico peggiore". E quel demonio alla fine ha avuto tragicamente la meglio.

Altheo "proposte": "Da Zero a Cento, le nuove età della vita".

2012-02-11T17:25:00.000+01:00

Milano.
Triennale: 20 febbraio- 1 aprile 2012.

Lunedi' 20 febbraio alle ore 18,30 inaugura alla Triennale di Milano, 'Da Zero a Cento, le nuove eta' della vita', mostra d'arte e di scienza ideata e prodotta da Fondazione Marino Golinelli in partnership con La Triennale di Milano, a cura di Giovanni Carrada e Cristiana Perrella con la collaborazione di Silvia Evangelisti.
La mostra, in programma dal 21 febbraio al 1 aprile si propone di indagare come e perche' il nostro corpo e la nostra mente sono molto diversi da quelli delle generazioni precedenti, e come svilupparne meglio le potenzialita'. Lo fa attraverso le intuizioni di alcuni grandi artisti contemporanei come Evan Baden, Guy Ben-Ner, Martin Creed, Hans Peter Feldmann, Stefania Galegati Shines, Anish Kapoor, Ryan Mc Ginley, Marcello Maloberti, Ottonella Mocellin e Nicola Pellegrini, Gabriel Orozco, Adrian Paci, John Pilson, Cindy Sherman, Frances Stark, Miwa Yanagi.
Sei ambienti espositivi, uno per ogni eta' dell'esistenza umana (concept dell'allestimento Iosa Ghini Associati) mettono a confronto le opere d'arte con le attuali scoperte della scienza. Insieme alle opere d'arte, alcune delle quali realizzate appositamente per l'esposizione, una serie di exhibit scientifici non solo mostreranno come e perche' la nostra vita e' cambiata, ma spiegheranno anche che cosa oggi sappiamo di nuovo su ogni eta'.

Altheo "vinile": Oasis, (What's The Story) Morning Glory. 1995.

2012-02-11T17:01:00.005+01:00

Altheo "vinile": Altheo "vinile": I 100 LP che hanno fatto la storia della musica.

Oasis, (What's The Story) Morning Glory. 1995.

Nel 1995, l'Austria, la Finlandia e la Svezia diventano stati membri dell'Unione Europea, che passano da 12 a 15.
In Nigeria muore l'ex dittatore della Somalia Syaad Barre, a lungo protetto dai governi italiani ed in esilio in Nigeria dal 1992.
Un terremoto di magnitudo 7,3, chiamato "Grande terremoto di Hansin", ha luogo nei pressi di Kobe, in Giappone, causando gravi danni alle costruzioni e facendo oltre 6.400 vittime.
A Bologna: dopo un lungo restauro riapre l'Arena del Sole, mentre a Copenhagen viene firmato il manifesto del movimento cinematografico Dogma 95.

In Giappone i fanatici e "rincoglioniti" della setta "Sublime verità" liberano gas nervino nella metropolitana di Tokyo, provocando 8 decessi e più di 3 mila intossicazioni, mentre nella mia città viene assassinato Maurizio Gucci, erede della casa di moda fiorentina.
Sospende, a malincuore, le pubblicazioni il giornale La voce, fondato e diretto da Indro Montanelli: le cause sono da ricondurre allo scarso interesse del pubblico ed ai debiti accumulati. Almeno così ci fanno credere.
Abituato a vivere in un Paese dai mille contrasti l'anno del 1995 sarà ricordato come l'anno della nascita dell'Ulivo. Inteso come partito politico, che meraviglia..., nel frattempo un gruppo terroristico statunitense distrugge con un'autobomba la sede dell'FBI di Oklahoma City, capitale dello Stato dell'Oklahoma.

Fino a quel momento è il più grave attentato subìto dagli Stati Uniti.

Inciso all'apice dell'esplosione del pop britannico, con (What's The Story) Morning Glory gli Oasis riuscirono a lasciare il segno anche negli Stati Uniti, dove raggiunsero nientemeno che il quarto posto della classifica Billboard.
Capeggiati dall'ex roadie degli Inspiral Carpets Noel Gallagher e dal fratello Liam alla voce, gli Oasis avevano raggiunto l'apice del successo con l'album omonimo.
Acclamati in madrepatria come i nuovi Beatles, gli Oasis divennero i beniamini delle cronache rosa per le mogli famose e le liti pubbliche.
Tutto funzionava a meraviglia tanto che, mentre Liam Gallagher sfidava a duello George Harrison sulla Primrose Hill di Londra, l'album diventò più volte disco di platino.
Coprodotto da Owen Morris e Noel Gallagher e registrato al Rockfield Studios nel Galles, (What's The Story) Morning Glory è un percorso retrospettivo attraverso la musica pop e psichedelica degli anni '60 che attinge abbondantemente dalle sonorità tipiche degli Smail Faces e dei Kinks.
Se si considera il successo dell'album negli States, le vendite dei singoli furono deludenti: Don't Look Back In Anger, il numero uno in Inghilterra, arrivò fino al numero cinquantacinque mentre Some Might Say non venne neppure pubblicato come singolo.
Il brano Wonderwall ricevette una nominatio ai Grammy Award come miglior canzone rock e migliore interpretazione rock.

Video: Oasis, Wonderwall.

Altheo "vinile": Eric Clapton, Unplugged. 1992.

Altheo "vinile": Queen, News Of The World. 1977.

Altheo "vinile": Coldplay, Viva La Vida. 2008.

Altheo "vinile": Hair. 1968.

Altheo "vinile": Santana, Santana. 1969.

Altheo "vinile": Nirvana, Nevermind. 1991.

Altheo "vinile": Dire Straits, Love Over Gold. 1982

Altheo "vinile": Deep Purple, Made in Japan. 1972.

Altheo "Mostre": Da Klimt a Wagner al '900 Usa, il 2012 dell'arte a Venezia.

2012-02-10T19:02:00.001+01:00

Un anno di mostre nel segno di Gustav Klimt nel 150esimo della nascita, dalla Secessione viennese, alla sua influenza sui maestri italiani, come Zecchin e Chini.

Omaggi al vedutismo del Guardi, mostre dossier e progetti di sinergie col Louvre e National Gallery di Londra

Un anno d'arte nel segno di Klimt, del vedutismo settecentesco, delle grandi feste dei Dogi, delle signore della moda, di Wagner come ispiratore per le arti visive italiane nell'Ottocento.
Tasselli di un programma espositivo per il 2012 confezionato dalla Fondazione Musei Civici di Venezia sotto la guida di Gabriella Belli, fresca di nomina dopo una lunga e felice gestione del Mart di Rovereto.
Un'annata che sposa illustri anniversari, come il 150esimo dalla nascita di Gustrav Klimt (1862-2012), che viene festeggiato al Museo Correr dal 24 marzo con l'evento "Klimt nel segno di Hoffmann e della Secessione", frutto di una coproduzione con il Museo Belvedere di Vienna sotto la cura di Alfred Weidinger, uno dei massimi esperti dell'artista austriaco.

"La mostra proporrà un ciclo eccezionale di dipinti, rari e preziosi disegni, mobili e raffinati gioielli, ma anche ricostruzioni e documenti storici, a indagare la genesi e l'evoluzione, in ambito architettonico e pittorico, dell'opera di Klimt e di quanti con lui diedero vita alla Secessione viennese, soprattutto l'amico di tante avventure intellettuali e progettuali, Josef Hoffmann", dice la Belli. In sinergia strategica, a Cà Pesaro verranno esposti lavori a testimonianza dell'influenza di Klimt sull'arte italiana: "Come il grande ciclo decorativo di Vittorio Zecchin, Le mille e una notte, annuncia la Belli, e l'altrettanto straordinaria Primavera di Galileo Chini, concessa in prestito dalla Galleria Nazionale d'arte Moderna di Roma, opere che bene raccontano di questa visionaria affinità elettiva" (dal 31 marzo all'8 luglio).

Dal 28 settembre sempre al Correr una grande retrospettiva su Francesco Guardi, nel trecentesimo dalla nascita: "Un omaggio all'ultimo grande vedutista settecentesco, dice la Belli, che vuole svelare la sua complessa produzione artistica, dalle meno note opere giovanili di figura fino alle scene d'interno nel gusto di Pietro Longhi, per concludersi con le splendide vedute di Venezia e i fantastici capricci, risalenti agli anni della maturità e della vecchiaia".

Inoltre il Museo Correr verrà riallestito secondo il progetto storico dell'architetto Carlo Scarpa con le opportune innovazioni tecnologiche.

A Palazzo Ducale sfileranno tre mostre dossier, realizzate con opere provenienti dai vasti e articolati fondi artistici e bibliografici della Fondazione. La prima, dal 24 febbraio, è dedicata alle Feste ducali con le preziose stampe disegnate da Canaletto e incise da Giambattista Brustolon, i cui soggetti, in gran parte ambientati a Palazzo Ducale, potranno essere letti anche attraverso le originali matrici in rame.

Il Museo Fortuny accoglie dal 10 marzo la prima grande mostra dedicata alla straordinaria e complessa figura di Diana Vreeland (Parigi 1903 - New York 1989), che tra abiti storici, documento e oggetti restituisce il "magnifico incedere" con cui Diana Vreeland ha attraversato la moda del Novecento, prima negli anni di "Harper's Bazaar" e "Vogue", poi nel suo ruolo di Special Consultant per il Costume Institute del Metropolitan di New York.

Dal 7 dicembre, poi, il museo indagherà il rapporto tra Richard Wagner e il wagnerismo con le arti visive in Italia tra la fine dell'Ottocento e i primi decenni del Novecento.

Gabriella Belli pensa anche ad una programmazione triennale della Fondazione con cui intrecciare collaborazioni inedite con musei del calibro del Louvre e la National Gallery in modo da promuovere "una grande mostra l'anno, popolare ma dall'indiscusso valore scientifico".
Per Cà Pesaro l'ambizione è di renderlo il Museo del Novecento che manca a Venezia, riattivando la politica degli acquisti in occasione della Biennale, ma anche dei prestiti da collezioni private. Nel palinsesto degli appuntamenti, figurano anche il design dei tessuti al Museo di Palazzo Mocenigo (con l'exploit della mostra "Trame di moda. Donne e stile alla mostra del cinema di Venezia"), il Museo del Vetro di Murano, e il Museo di Storia Naturale.

Altheo " Design Gran Bretagna": Morgan.

2012-02-10T13:01:00.000+01:00

Altheo " Design Gran Bretagna": Morgan.
Casa Automobilistica.

Alle soglie del nuovo millennio ha recuperato l'antico splendore.
Quando questa piccola ditta della contea di Worcestershire annuncia un sua "prima", ossia ogni tredici anni, il mondo dell'automobile rimane in attesa con il fiato sospeso.
Esteriormente la nuova Aero 8 è un'interpretazione del modello classico Plus 8 di fine anni sessanta, ma con un tocco di alta tecnologia, essendo dotata di un motore a 286 cavalli e di una carrozzeria in alluminio.
Questa vettura dalla linea aereodinamica un po' retrò rappresenta quindi per la casa, famosa per la tradizionale lavorazione artigianale delle sue macchine sportive un autentico "salto quantico".
Anche quando, al termine della seconda guerra mondiale, produttori come Aston Martin o MG proponevano nuovi modelli, la Morgan rimase fedele alle carrozzerie anteguerra, in un'inamovibile consapevolezza della tradizione che è squisitamente britannica e che ha fruttato alla ditta un profilo inconfondibile, nonchè una schiera di seguaci di nibelungica devozione.
Tra i tratti distintivi della casa vi sono i parafanghi, la griglia del radiatore a cassetta e i fari applicati.
Soltanto una volta, a metà degli anni sessanta, con il modello Plus 4 Plus la Morgan si è rivolta ai designer.
La Aereo 8, invece con i suoi fari "strabici", nasce dalla fantasia di Charles Morgan e Chris Lawrence, il direttore tecnico.

The Morgan Motor Company Ltd, Malvern Link.

1906: Henry F.S. Morgan apre un'officina.
1910: Inizia la produzioni di automobili.
1954: Introduzione del cruscotto obliquo con raffredamento.
1976: Distribuzione negli USA.
1990: Il modello Plus 8 viene dotato di catalizzatore.

Prodotti.

1910: Autoveicolo a tre ruote.
1928: Autoveicolo a tre ruote Super Sport.
1935: Automobile sportiva 4-4.
1950: Automobile sportiva Plus 4.
1965: Automobile sportiva Plus 4 Plus.
1968: Automobile sportiva Plus 8.
2000: Automobile sportiva Aereo 8.

Altheo "Design Gran Bretagna": Wells Coates, designer di mobili e product designer.
Altheo "Design Gran Bretagna": Laura Ashley, stilista.
Altheo "Design Gran Bretagna": Vaughan Oliver, grafico.
Altheo "Design Gran Bretagna": Roy Fleetwood, product designer.
Altheo "Design Gran Bretagna": Jamie Reid, grafico.

Altheo "incontri personali": Antonino Zichichi.

2012-02-10T12:21:00.000+01:00

Il professor Antonino Zichichi ospite a "Cultura Milano" presso la Fondazione Matalon, giovedì 16 Febbraio 2012 alle ore 18.30, per presentare il libro "L'irresistibile fascino del tempo".
Milano. Foro Buonaparte 67.

L’illustre Antonino Zichichi, sarà ospite a “ Cultura Milano” in data Giovedì 16 Febbraio 2012, alle ore 18.30,presso la Fondazione Matalon, spazio espositivo culturale nel cuore di Milano, a due passi dal Castello Sforzesco, per presentare il libro “L’irresistibile fascino del tempo”. “Cultura Milano” Festival Artistico Letterario, ideato e organizzato da Agenzia Promoter, di Salvo Nugnes, alterna cicli di Conferenze a presentazioni editoriali, con personaggi di spicco del panorama contemporaneo.
In questo saggio, dedicato al Tempo, che da sempre attira l’uomo, il noto fisico, evidenzia le conquiste della Scienza sulla natura del Tempo, per spiegarne i valori, ma anche le intriganti problematiche, che ne determinano la sfida, quella mistica di Dionigi il Piccolo, dalle quale nasce il Calendario perfetto e quella scientifica, originata dall’atto di fede di Galileo, che ha generato il Teorema del Tempo e gli orologi atomici.

Con abile ed esperta capacità dialettica e descrittiva, Zichichi coinvolge il lettore, suscitando grande interesse e curiosità sugli argomenti e avvalendosi anche della tecnica bifronte, con l’esemplificazionee la relativa spiegazione delle varie tematiche trattate.
Per il Professore noi proveniamo da un Tutto, a cui è stato tolto e strappato qualcosa. Questo qualcosa è il nostro Universo e stiamo lentamente e gradualmente tornando da dove siamo venuti. Dunque, il Tempo va sempre avanti e mai indietro.
Zichichi spiega il motivo, per cui calcoliamo il Tempo nel modo, che ci hanno insegnato fin dai banchi di scuola, quando ci dicevano che l’anno è formato da quattro stagioni e che, ogni quattro anni c’è un giorno in più. Ingresso libero fino a esaurimento posti, si consiglia la prenotazione.

Altheo "Fotografia del XX secolo": Helmut Newton.

2012-02-09T16:16:00.002+01:00

Altheo "Fotografia del XX secolo": Helmut Newton.

Helmut Newton, oriundo tedesco con passaporto australiano e residenza a Monte Carlo nel principato di Monaco, era senza dubbio un cosmopolita e coltivava con piacere questa sua immagine.
Il fatto che numerose delle sue foto fossero realizzate in suite di un albergo fa parte sicuramente di questo atteggiamento.
Newton studia con la fotografa berlinese Yva, famosa per le sue fotografie di moda, per i ritratti e i nudi.
Dopo l'apprendistato trascorre parecchi anni in Australia e a Singapore e poi vive e lavora a Parigi per 25 anni.
Lavora per l'edizione francese, inglese e americana di Vogue, ma anche per Elle, Marie Claire, Jardin des Moders, American Playboy, Nova e Queen.
Inoltre realizza regolarmente servizi fotografici per Stern e Life.

Con la morte di Newton, è scomparso uno dei pochi fotografi contemporanei capaci di polarizzare l'attenzione del mondo dell'arte, diviso fra la cerchia dei fan che ammirano le sue fotografie e gli oppositori accaniti che vogliono sminuirlo, bollando come fenomeno di moda e accusandolo di misoginia.
In realtà Newton ha creato un nuovo stile della fotografia di moda, di cosmetici e di nudo, che sicuramente ha un successo tanto grande perchè rivela una sensibilità profonda per i segni del tempo.

La fusione fra l'autorappresentazione offensiva e la sottomissione volontaria da un lato e, dall'altro, la predilezione per donne alte, dall'ossatura sfaccettata, ben autodeterminate, coglie nel vivo il dilemma in cui si dibattono ancora le donne e il movimento femminista: influire sulla società con il proprio ruolo e tuttavia non rinunciare all'identità tradizionale di donna; oppure vivere il difficile e doloroso processo di ricerca di una nuova identità.

Le donne mascoline, l'inclinazione all'androgino costituiscono una risposta all'identità non ancora trovata nel nuovo ruolo femminile.

Le fotografie di Newton mostrano le sfacettature più disperate dei tipi di donna che si sono sviluppati in questa situazione.

Poichè non lo fa con spirito critico, ma con voluttà, Newton si è attirato le critiche pungenti del movimento femminista.

Altheo "Fotografia del XX secolo": Dorothea Lange.

Altheo "Fotografia del XX secolo": Irving Penn.

Altheo "Fotografia del XX secolo": Gordons Parks.

Altheo "Fotografia del XX secolo": Gregory Colbert.

Altheo "Fotografia del XX secolo": Alfred Cheney Johnston.

Altheo "Fotografia del XX secolo": Margaret Bourke-White.

Altheo "Fotografia del XX secolo": Peter H. Furst.

Altheo "Fotografia del XX secolo": Franco Fontana.

Altheo "Fotografia del XX secolo": Cohen Serge Moreno.

Altheo "Fotografia del XX secolo": Elsken Ed van der.

Altheo "Moda": Giorgio Armani, "una perla di donna".

2012-02-09T15:40:00.000+01:00

Giorgio Armani: Una "perla di donna".

Quando il mondo ci invidia.

Non si tratta di citare se stessi.È che a volte si sente il bisogno della propria originalità, di verificare il proprio essere, di evolverlo, di rifondarlo, di metterlo alla prova del tempo che cambia.
Giorgio Armani, per la primavera-estate 2012, non parla di nostalgie, non si interessa alle trasfigurazioni del post moderno, non vuole cogliere l'opportunità effimera della tendenza che cambia.
Vuole semplicemente ribadire che il lavoro della moda arriva fino a dove si riesce a stabilire un contatto con la realtà e con la possibilità di scegliere tra le molte realtà che si sovrappongono.
Lui sceglie per una figura di donna che, nella realtà, gli appartiene come pensiero, come modo di vivere, come sentimenti.
E, quindi, la sua donna estiva emana una luce che le deriva non solo dai tessuti con i quali sono costruiti i suoi vestiti, ma da quella luce che diventa forma e disegna la figura, come un laser o come il sole o, ancora e meglio, come la luce lunare che si riflette nel mare e che nutre una perla.
Una perla che diventa donna, la donna di Armani, una delle tante possibili scelte in un tempo in cui, per fortuna, si può ancora scegliere.
Ecco, allora, che la collezione Giorgio Armani sembra essere costruita con la pazienza della formazione della perla

Sembra partire dai pantaloni sottili che, come un sottofondo, preludono a una musica che si sviluppa dopo: sulle gonne sovrapposte, sulle giacche tagliate a sbieco e che per questo sono leggere e staccate dal corpo, sugli orli asimmetrici e a punta delle gonne che mimano foulards, sulle bluse appena nude look, sugli abiti senza spalline che si reggono sul seno, sulle scarpe décolletées che disegnano un cuore sul piede, sugli abiti bustier che si fermano al ginocchio poco prima di nasconder i pantaloni corti, folletti dispettosi che sembrano scappare al controllo della lunghezza di tutto quello che gli sta sopra, una gonna, un abito, una giacca.
Il lavoro di Giorgio Armani è instancabile sugli abiti, declinati su numerosissime varianti, e si presentano perfino con un pannello plissettato laterale che da movimento al tessuto sostenuto che l'affianca.
E su quegli abiti da sera che solo lui sa costruire come se fossero enormi fogli di seta preziosa che avvolge il corpo come una carta giapponese avvolge un mazzo di rose rare: lo fa delicatamente, quasi scostandosi per paura di sciuparlo.
E non possono sciuparlo, perché ricoperto di incrostazioni di paillettes lucenti e brillanti, quasi polvere di stelle o bagliore del plancton. " E' una perla di donna?", gli si chiede a bordo passarella. "No", risponde Giorgio Armani, "è una perla".

Altheo "Moda": Armani e Rihanna.

Altheo "Interviste": Klaus Schulze.

2012-02-09T11:04:00.004+01:00

Altheo "Interviste": Klaus Schulze.

Il padre della musica elettronica parla del suo album Moonlake, che è una speciale interazione strumentale fra quattro suite nate in laboratorio e durante un concerto in Polonia.

Parlare con Klaus Schulze significa incontrare il padre della musica cosmica e di tutti i generi nati dalla contaminazione tra il rock e l'elettronica, e di tutte le evoluzioni contemporanee dei suoni computerizzati, a cominciare dalla new age.

Multistrumentista di gruppi pilota come i Tangerine Dream e Ash Ra Tempel, nel corso della sua trentennale carriera, ha esplorato in proprio, e attraverso il suo alter ego Richerd Wahnfried, l'anima più sperimentale della dimensione elettronica, interagendo fra l'altri con i Cosmic Jokers, Stomu Yamash'ta, Rainer Bloss, Sergius Golowin, Ernt Fuchs, Andreas Grosser, Michael Shrieve e via dicendo.

L'album Moonlake è dedicato alla bellezza dell'omonimo lago austriaco e propone il ritorno delle percussioni in un ruolo più centrale e dominante, supportate dall'utilizzo del mini moog, suonato per la prima volta con l'ausilio del distorsore e del Wha Wha.

Il progetto propone quattro track di lunga durata registrate in studio e a uno dei megashow che il disegnatore di luci, Gert Hof, ha tenuto per me a Posen in Polonia, e miscela la musica elettronica con una lirica world orientaleggiante.

Lo incontriamo a Berlino.

Cosa ispira le sue sinfonie elettroniche?

"Nella mia musica non c'è mai stato un riferimento speciale nè univoco.

All'inizio degli anni settanta ascoltavo il rock di quel periodo perchè era molto semplice da capire, ma le mie opere non avevano nulla a che vedere con i suoni di quel periodo.

Io stavo sperimentando delle sonorità che tendevano a svelare nuove frontiere dell'arte.

E questo accade ancora oggi. A parte le opere di Mozart, di Beethoven, di Schubert, di Bach, di Grieg e di Rossini, per me è realmente difficile ascoltare una musica che non sia la mia.

E' un riflesso inconscio, che mi allontana dai consumatori abituali che continuano a operare il banale distinguo fra i titoli di breve durata del pop e le opere di lunga durata, identificate nella musica classica.

Ovviamente questo non è il metro con il quale ascolto e compongo la mia musica".

Gran parte dei suoi estimatori affermano che le sue composizioni propongono musica per lo spirito e per la mente, non per il corpo: sono queste le emozioni che vuole trasmettere?.

"Ogni tipo di musica, eccetto la dance, è musica destinata allo spirito e allo scoprire il significato dell'esistenza, non al corpo.

Quella di intrattenimento raggiunge solo i livelli esterni e superficiali del nostro spirito, mentre quella seria ha un effetto molto più radicale e profondo".

Cosa distingue la sua carriera da solista da quella del suo alter ego Richard Wahnfried?
"Se avessi voglia di dire qualcosa di preciso avrei scritto defgli articoli, dei saggi o dei libri, ma sino a oggi ho sempre preferito comporre e suonare la mia musica.
Quando indosso il nome di Richard Wahnfried ho la libertà d'interagire con musicisti differenti, creando dei suoni del tutto opposti a ciò che compongo da solo".
Ci può raccontare qualcosa delle sue interazioni con le voci dell'opera classica?
"La voce umana è il primo strumento naturale dell'umanità: quello che convoglia emozioni.
A me, come la maggior parte della gente, piace ascoltare la voce della Callas o di Willie Nelson.
Sin dal 1974 durante le sessioni di Blackdance ho provato a lavorare con una serie di voci maschili e femminili e con il coro classico.
Sono esperienze che tonificano il mio spirito".
Cosa ricorda del periodo trascorso alla Innovative Communication?
"Ho scoperto la IC nel 1978, semplicemente perchè in quel periodo non c'era alcuna etichetta interessata alla musica elettronica.
Non ho mai venduto molti dischi sino a Ideal (700.000 copie solo in Germania).
Nel 1983, durante un vasto giro di concerti, mi sono accorto che la IC non aveva una buona distribuzione in Europa, così ho continuato a lavorare con la Brain, passando poi alla Virgin, che aveva ottenuto dei grandi risultati con i Tangerine Dream e Mike Oldfield".

Le piace la musica elettronica del nuovo millennio?
"Oggi non ha più senso di parlare di musica elettronica, perchè la maggior parte delle registrazioni sono elettroniche.
Costano meno e hanno una connection diretta con la dance, la trance ed il pop.
Il 95% della musica è creata con i sample e il software dei computer.
Mi ricordo che negli anni settanta, il pianista classico Glenn Gould aveva già previsto tutto questo.
E' realmente divertente ascoltare i nuovi gruppi inglesi che suonano con la strumentazione che i Tangerine Dream usavano nel 1973, senza possedere la freschezza, l'energia e la loro emotività espressiva":
Preferisce registrare dal vivo o in studio?
"Adoro i concerti, sono più ispirato e assimilo l'adrenalina della gente che mi circonda.
Negli anni settanta i promoter tendevano a risparmiare, organizzando i concerti nelle cattedrali, mentre oggi suono di fronte a decine di migliaia di persone.
E' ancora interessato a comporre per il cinema?
"Oggi è tutto più difficile, perchè non componi la tua musica, ma devi seguire la sceneggiatura del film e ti senti come privato della tua personalità artistica".
E' esattamente quello che mi ha detto la compositrice australiana Lisa Gerrard dopo l'esperianza del Gladiatore...
"Amo molto la vocalist dei Dead Can Dance e mi piacerebbe lavorare con lei".
Per lei la musica è sempre una forma di autoterapia?
"Amo il mio lavoro.
Quando posso concentrarmi su un progetto preciso, mi sento felice e mi diverto.
Questo è un modo per estare vivo, in salute e in armonia con il mio spirito".

Altheo "Moda": Una casa per la moda. Castello Sforzesco. Milano

2012-02-09T09:33:00.000+01:00

Una casa per la moda, il Castello Sforzesco.

E un rapporto stabile tra Comune e stilisti.
Con questa nuova partnership, e l' «ospitalità-gratuità» accordata da Stefano Boeri alle sfilate nei cortili viscontei, Milano si avvicina alla settimana dei défilé (22-28 febbraio).
Il tavolo riunito ieri tra la Camera Nazionale e la giunta (da una parte, Mario Boselli, Beppe Modenese, Carla Sozzani, i rappresentanti di Trussardi, Versace, Dolce & Gabbana, Costume National, dall' altra Stefano Boeri e i dirigenti della cultura, del commercio, della mobilità) ha stabilito alcune novità.
La prima: d' ora in avanti ci si riunirà almeno quattro volte all' anno, prima di ogni fashion week .
Seconda: a partire dalla prossima edizione, la moda sarà stabile al Castello.
Fuori dal palazzo, con la tensostruttura allestita nel cortile, e al suo interno. «Avremo spettacoli teatrali, rassegne culturali, eventi aperti alla città», dice Boeri.
Aggiunge il presidente della Camera della Moda, Mario Boselli: «Abbiamo instaurato un nuovo rapporto, siamo soddisfatti».
I rappresentanti del made in Italy hanno presentato al Comune due documenti: enjoy Milano , suggerimenti per una città più accogliente, e alcune richieste «per migliorare i nostri appuntamenti».
Quanto ai 200 mila euro che la Camera aveva speso a settembre per spostare la tensostruttura dalla Loggia dei Mercanti a piazza Duomo e che Boselli aveva chiesto al Comune di «compensare» in qualche modo, Boeri rassicura: «La moda è nostra ospite al Castello».
E queste parole lasciano intendere che Palazzo Marino non farà pagare tasse sul tendone da 800 posti in cui sfileranno quattro griffe oltre alle giovani promesse.
La moda nelle stanze del Comune. Unica eccezione: Lorenzo Riva, che sfilerà il 27 in una struttura montata a Palazzo Isimbardi, sede della Provincia.
E c' è anche chi gioca di anticipo: Manila Grace, oggi in via Pestalozzi.

Altheo "Mostre": Una mostra d'arte contemporanea per S. Valentino a Bussolengo.

2012-02-08T12:04:00.000+01:00

Bussolengo. Alla Boblioteca comunale le opere di Moschella, Toraldo; Faccincani.

Da sabato fino a domenica 19 febbraio, all'interno delle manifestazioni della 301° Fiera di San Valentino di Bussolengo, si potrà visitare la mostra di pittura contemporanea «L'arte. Le emozioni. Il gusto», che si terrà nella sala espositiva della biblioteca comunale «Luigi Motta».

La mostra nasce dalla sinergia tra l'assessorato alla cultura del Comune di Bussolengo e l'associazione culturale Ierma partner della divisione Bhr ArtEmotion di Bhr group. «L'intento della mostra», spiega l'assessore Marco Soave, «è far arrivare il messaggio della bellezza, le suggestioni di un'arte contemporanea che si avvicina alla realtà delle persone».
Le opere esposte sono di Carlo Moschella, Francesco Toraldo e Athos Faccincani. Carlo Moschella, originario di Vipiteno (Bz), nasce professionalmente in Germania a Dusseldorf, dove completa gli studi artistici, misurandosi poi con tutti i movimenti che interessano il mondo dell'arte negli anni '70 e '80. Francesco Toraldo di Catanzaro nel 1960, è figlio d'arte: spesso si reca nello studio del padre Enzo, che lo avvia ai primi rudimenti dell'arte.

Si iscrive al liceo Artistico di Catanzaro e continua ad affiancare il padre nel suo mestiere di pittore. Nel 1992, quando si trasferisce in Sicilia, comincia a maturare il forte desiderio di dipingere per esternare le sue emozioni e la sua energia. In Sicilia subisce il fascino di Renato Guttuso. Athos Faccincani è di Peschiera del Garda. Negli anni '63-64 , ancora tredicenne, inizia a frequentare lo studio di Pio Semeghini; frequenta poi le scuole tecniche ed è sempre più presente, intorno agli anni '67-69, negli studi veneziani di Novati, Gamba, Seibezzi.
Sempre in questo periodo, conosce a Brescia Ottorino Garosio e Angelo Fiessi. Si iscrive all'Accademia delle belle Arti di Venezia.

Nel 1970, terminati gli studi, il giovane Athos si dedica alla pratica della pittura con l'aiuto di Nantas Salvalaggio. L'attenzione è rivolta alla natura che Faccincani ama e che diventa il suo unico modello. L.C.

Altheo "profili": Patrizia Coletta.

2012-02-03T12:15:00.001+01:00

Altheo people: Patrizia Coletta.

Patrizia Coletta, nata ad Albano Laziale il 19-10-1976 e in giovane età comincia a cimentarsi nella tecnica a carboncino.
Dopo un periodo di tempo scopre la tecnica della pittura ad olio che la porta a frequentare lo studio d'arte del maestro Ezio De Rubeis a Velletri.
Per la sua crescita artistica comincia ad effettuare mostre collettive a Velletri (RM), presso la Banca d'Italia, al GranPrix International "Expression" tenutosi ad Anzio nell' anno 2000-2003, dove ha vinto dei premi con attestati di partecipazione dove ha ricevuto una nota di merito da parte del noto critico d'arte Prof. Alfredo Pasolino.

Ha vinto inoltre la targa al merito e l'attestato nel maggio 2005 del premio "Medusa Aurea" indetto dall'AIAM e targa al merito della critica per la qualità cromatica .
Collabora attivamente con la galleria d'arte "EPIREO" di Roma dove ha ricevuto riconoscimenti e premi dal critico d'arte prof.A.Barbagallo.
Ha partecipato con buon successo di critica e di pubblico al concorso "Open Art 2006" tenutosi alle sale del Bramante in Roma.
Alcune delle sue opere sono inoltre state pubblicate sulla rivista "Segni D'Arte" con critica approfondita della gallerista romana Alessia Cervelli.
Premio al merito artistico al concorso “women in arts” 2009 (artrome gallery)
Speciale riconoscimento al concorso fotografico “split second impulse” 2010 (artrome gallery)

Altheo "Mostre": La terra vista dal mare. Genova.

2012-02-03T12:15:00.000+01:00

Altheo "Mostre": La terra vista dal mare. Genova.

Trenta opere, performance e installazioni di artisti provenienti da 13 piccole aree geo culturali come Andorra, Cipro, Islanda, Liechtenstein, Lussemburgo, Malta, Monaco, Montenegro, San Marino, Canton Ticino, Ceuta, Gibilterra, Kaliningrad, approfondiscono il tema della percezione dell'isolamento.
'The Land Seen From The Sea' e' un complesso progetto espositivo che nasce da una serie di workshop ospitati da diverse istituzioni europee all'interno del network /Little Constlellation/, dedicato alla ricerca artistica contemporanea.
La mostra 'La Terra vista dal Mare / The Land seen from the Sea' sara' inaugurata il 4 febbraio alle ore 18.30, presso il Museo d'Arte Contemporanea Villa Croce, Genova.
L'esposizione, in linea di continuita' con la mostra tenuta presso la Fabbrica del Vapore di Milano nel 2010 documentera' da una parte la ricerca artistica contemporanea, dall'altra presentera' il risultato dei workshop tenutisi nel corso del 2011, ospitati presso la Biblioteca Archivio di Little Constellation a San Marino.

Il Mudam Luxembourg (Museo Nazionale d'Arte Moderna del Gran Ducato del Lussemburgo) e presso Casino Luxembourg - Forum d'arte Contemporanea del Lussemburgo; la Galleria Nazionale d'Islanda e il NYLO Living Art Museum, Reykjavik; e al Brown Project Space, Milano, in collaborazione con Malta Contemporary Art.
La mostra stessa e' un ulteriore approfondimento sulla percezione del delicato dialogo, sospeso tra distanza, isolamento e relazione che caratterizza queste aree geografiche.

Altheo " I capolavori del design": Chaise Lounge "Corona". Poul Volther.

2012-02-03T11:41:00.002+01:00

Altheo " I capolavori del design":
Chaise Lounge "Corona". Poul Volther. 1961.

Corona" : Chaise longue con pouf di Poul Volther," Corona", MOD ej 605, 1961, intelaiatura in acciaio cromato, seduta e schienale in compensato curvato, imbottitura in neoprene e fodera in tessuto o cuoio. Dimensioni: cm 84 x 84 x 102 H; Dimensioni pouf: cm 74 x 50 x 49 H.
Poltrona Corona di Poul M. Volther con struttura in acciaio satinato, imbottitura in poliuretano espanso, rivestimento in pelle non svestibile con struttura in acciaio e rivestimento in pelle.
La poltrona corona si distingue per il suo design particolare e per la sua comodità seduta che ben si adatta anche alle persone più alte.
La poltrona Corona è stata originariamente disegnata da Poul M. Volther nel 1961,
Poul M. Volther prese la propria ispirazione dallo 'spazio profondo', lasciandosi andare in una sorta di viaggio iperspaziale durante un eclisse solare. Il risultato combina elementi di ‘spage age’ design alla straordinaria comodita' della poltrona facendone un oggetto di culto dell'arredamento di design degli anni '60 e ‘70.

Poul Volther proviene da una scuola di architetti che prendono la loro ispirazione dal movimento delle Arti e Mestieri nel quale il procedimento manifatturiero era importante quanto il prodotto finito.
Egli difende il funzionalismo e inveisce contro i capricci e la raffinatezza estetica.
La sua formazione si svolge in gran parte alla Scuola Danese di Arti e Mestieri dove si diploma come maestro ebanista.
In quanto membro della Scuola Danese di Arti e Mestieri egli trasmette l’enfasi della qualità artigianale a generazioni intere di designer danesi.
Il suo progetto più famoso è la sedia Corona.
D’aspetto quasi trasparente, si mescola senza difficoltà con lo spazio circostante.
I quattro involucri foderati di forma ellittica danno massimo sostegno al corpo con associazioni palesi contemporaneamente con la spina dorsale e le costole del corpo umano.
Inizialmente costruita da Erik Joergensen, la sedia Corona riscosse un vasto successo al momento del suo lancio nel 1964.
A partire da allora, la sedia è stata mostrata in un’ampia varietà di servizi di moda, film e video musicali.
E’ stata la sedia su cui si sono seduti i capi di stato europei durante il summit dell’UE a Copenhagen nel dicembre del 2002.

La Poltrona Corona è visibile presso la Galleria Robertaebasta Design di Via Marco Formentini 4/6 in zona Brera a Milano. (indirizzi Gallerie Robertaebasta: Via Fiori Chiari 2 e 3 - show room: Via Fiori Chiari 16 - Indirizzo altra Galleria Robertaebasta Design: Via Solferino di fronte al civico 3).

Altheo "I capolavori del design": Pratone 1971.
Altheo "I capolavori del design": Lampadari Stilnovo.
Altheo "I capolavori del design": Poltrona Atlantis. Mark Brazier Jones..

Altheo "scatti d'autore": Rossella Santoro.

2012-02-02T13:03:00.000+01:00

Altheo "scatti d'autore": Rossella Santoro.

Fotografare è mettere sulla stessa linea di mira la testa, l'occhio e il cuore. Henri Cartier-Bresson
La fotografia è da sempre, per me, comunicazione.
La facente funzione della mia mancanza di parole.
Come un predatore, aspetto il momento esatto per saccheggiare l’anima della vittima. In silenzio aspetto, con l’indice che preme ansioso sul grilletto e con l’orecchio teso sul click.
Le vittime che preferisco non rientrano in un piano logico e seriale.
Sono loro che scelgono me.
I loro lineamenti catturano il mio sguardo e nulla conta di più, in quel momento.
Sono, unicamente, il prolungamento di quel forte richiamo chiamato alchimia.

Rossella Santoro

Altheo "Storie di Moda": John Galliano.

2012-02-02T12:20:00.000+01:00

Altheo "Storie di Moda": John Galliano.

Negli ultimi anni, il mondo della moda ha visto affermarsi numerosi stilisti inglesi, e John Galliano è, tra questi, uno dei nomi che hanno maggiormente entusiasmato il pubblico delle sfilate milanesi e parigine.
Diversamente da Vivienne Westwood, altra protagonista inglese di questi anni, il cui lavoro trae spunto dalla sub cultura giovanile, Galliano ha lavorato all'altro capo dello spettro, alla creazione di capi altamente soffisticati in fatto di materiali, taglio e confezione.
Le sue creazioni sono strutturalmente complesse e prendono vita solamente sui corpi di modelle.
Come la Westwood, tuttavia, anche Galliano si caratterizza per l'abilità con cui mescola influenze provenienti dalle fonti più diverse in un prodotto inconfondibilmente suo e al pari della stilista londinese ha definito lo stile di un momento in cui era possibile guardare in ogni direzione in cerca d'ispirazione.

Galliano è nato in Gibilterra, ma deve la sua formazione di stilista agli anni passati alla Central Saint Martins di Londra, che fin dagli anni sessanta ha la fame di sfornare gli stilisti più audaci e sperimentali.
Fu proprio con la collezione disegnata per il suo saggio di laurea, chiamata Les Incroyables, che Galliano ottenne i primi titoli sui giornali.
Diversamente da quelli di altri studenti, i suoi abiti avevano già tutte le qualità per entrare nel mercato, e infatti furono subito acquistati e distribuiti dalla boutique Browns.
Fu un immediato successo commerciale, che diede a Galliano il sostegno finanziario con cui avviare la propria fashion house.
Siamo a metà degli anni ottanta, e lo stilista ha appena ventiquattro anni.
Negli anni successivi, il lavoro di Galliano si sviluppa e assume un gusto che mescola riferimenti alla storia a un design manifestamente contemporaneo.
Il suo lavoro si basa su una continua ricerca, per la quale Galliano fa spesso uso di biblioteche e musei, dove può scoprire dettagli di stili del passato da adattare alle proprie creazioni; già la sua prima collezione era chiaramente influenzata dagli abiti francesi dell'Ottocento, uno stile che in quegli anni aveva trovato in Inghilterra altri ammiratori, rendendosi visibile per esempio nei film di Peter Greenaway.

Come ha spiegato un critico di moda, "Dalle Highlands scozzesi alle steppe della Russia, dagli eventi vestiti da sera anni trenta ai kilt, ad abiti da ballo in tulle, marsine, smoking, silhouettes a clessidra e completi da gangster degli anni Quaranta, Galliano saccheggia la storia per le sue idee".
La sensibilità dello stilista è tale che Galliano riesce a fare tutto questo pur creando prodotti che sono continuamente copiati dalla moda dei grandi magazzini.
Per quanto Galliano sia una costante fonte d'ispirazione per i creatori di abbigliamento di massa, ciò non significa che non sia uno stilista d'avanguardia.
Ogni sua collezione è una sorpresa: la giacca napoleonica in neoprene, o i pezzi ispirati delle drag queen, i travestiti più kitsch, come mutandine di satin e reggiseni di piume, il tutto a creare un look completamente nuovo.
Elementi peculiari del design di Galliano sono l'uso del taglio di traverso per i vestiti e di materiali sexy come il velluto.
A metà degli anni novanta lo stilista ha lasciato Londra per Parigi, dovè stato nominato direttore del design per la Givenchy, ma ha abbandonato l'incarico appena dopo un anno per passare a Dior.
Tuttavia, nonostante rimanga a Parigi, Galliano continua a essere acclamato come uno dei grandi stilisti inglesi.

Altheo "Storie di Moda": Mary Quant.
Altheo "Storie di Moda". Edward Steichen.

Altheo "gli speciali": Il teatro della vita. Franz Borghese.

2012-02-02T11:00:00.000+01:00

Altheo "gli speciali": Il teatro della vita. Franz Borghese.
Prima parte: Franz Borghese raccontato da Pino Purificato.

Un po' scontroso all'apparenza, in realtà Franz Borghese sapeva essere un ottimo amico: lucido e arguto, mai troppo indulgente, ma anche affettuoso e riconoscente degli altrui meriti.
Quella sua espressione un po' ironica, un po' melanconica, capace di esprimere tutto il suo sentire nei confronti del mondo esterno, sicuramente aleggia ancora nel suo studio dove, ospitati, facevamo nottata, mentre al cavalletto nascevano i suoi bizzarri personaggi.
Dipingeva per ore e ore, avvolto nel fumo della sigaretta e dal flusso di pensieri e parole che di tanto in tanto interrompeva bruscamente come per meglio esprimere un concetto, o annotarlo nella memoria.
Allora si voltava verso di noi e, ridacchiando, si compiaceva di qualche intuizione o di qualche buona trovata con cui rimettere in piedi il mondo finito per aria.

Intanto continuava a dare forma al suo universo, attraverso la miriade di personaggi-marionette che popolano la sua pittura.
Dotato di un pubblico così vasto di ammiratori, anche per la compiacente ironia con cui egli li interpreta: mai troppo censorio o intransigente perchè, come spesso amava ripetere, il primo grande peccato è quello di non aver peccati!
Abile giocatore di scacchi, affrontava la vita con intelligenza e razionalità, senza troppo concedere all'emotività o all'ingenuità.
Sul piano intellettuale, rimase sempre indipendente, nonostante il continuo cambiare dei tempi e dei "giochi", nella società come nel mondo dell'arte.

Pino Purificato.

Franz Borghese nasce a Roma il 21 gennaio 1941.Compie i suoi studi presso l'Accademia di Belle Arti e Liceo Artistico di Roma, con Domenico Purificato, Giuseppe Capogrossi, U. Maganzini e Giulio Turcato.
Nel 1964 fonda la rivista d'arte e cultura "Il ferro di cavallo".
Dalla metà degli anni Sessanta è lucido e ironico narratore delle consuetudini e delle alienazioni della borghesia cittadina, che fissa in stereotipi grotteschi, apparentemente aderenti all'Espressionismo ideologico dei tedeschi George Grosz e Otto Dix, ma in realtà immersi in una vivace e ambigua vena fantastico-favolistica.
Le sue prime personali: nel 1968 alla Galleria "N.F.1" di Roma; nel 1969 ed il 1971 alla Galleria "Il Calibro" a Roma; nel 1970 alla Galleria "Il Rombo a Catanzaro; nel 1980 espone alla "Citybank di Torino; nel 1981 alla Galleria "Il Cannocchiale" di Milano.
Nel 1983 personali alla galleria Forni di Bologna e alla Soufer Gallery di New York; nel 1989 Personale con la Selfart di Roma al Biaf di Barcellona e Personale al Gianicolo di Perugia.
Nel 1991 Personali alla galleria Bastien-Art di Bruxelles e alla galleria Gioacchini di Ancona.Si susseguono numerose personali in Italia e all' estero, nel 2005 espone con una Personale a Vilnius in Lituania, gli viene dedicata una mostra Antologica al Palazzo Venezia di Roma; il 16 dicembre del 2005 muore improvvisamente a Roma.

Nella seconda parte: Associazione "Studio Franz Borghese" raccontato da Giancarlo Sorrentino.

Altheo "Aperitivo in concerto": William Parker orchestra.

2012-02-02T10:20:00.001+01:00

Una straordinaria Orchestra ricorda il mito di Duke Ellington.

Domenica 5 febbraio 2012, alle ore 11.00, presso il Teatro Manzoni di Milano (via Manzoni, 42), “Aperitivo in Concerto” presenta come prima data italiana il nuovo lavoro di uno fra i massimi rappresentanti della nuova musica americana, il celebre contrabbassista William Parker: The Essence of Ellington è un'appassionante rilettura di alcune fra le più note e più significative composizioni di uno fra i più grandi musicisti del XX secolo, Edward Kennedy “Duke” Ellington.
A capo di un'eccezionale orchestra, formata dalla crema dei più autorevoli esponenti della musica di ricerca africano-americana (da Sabir Mateen a Hamid Drake, da Rob Brown a Roy Campbell, da Ras Moshe al grandissimo pianista Dave Burrell) Parker, con la collaborazione di un leggendario musicista quale il sassofonista Kidd Jordan (classe 1935, grande strumentista e didatta, ha suonato con Ray Charles, Aretha Franklin, Steve Wonder, O. Coleman, C. Taylor), riesamina la figura di Ellington, tributandogli l'omaggio dovuto ad un artista che seppe imporre il jazz, in un miracoloso equilibrio fra rigorosa pagina scritta e vertiginosi interventi solistici, come forma d'arte da concerto.
L'omaggio di Parker sottolinea inoltre la straordinaria attualità, la vigorosa modernità che ancora conserva l'opera ellingtoniana, al di là delle ineffabili e immortali melodie che espone e che tutti oggi conosciamo.

William Parker"....Ci sono due modi per fare musica, la via accademica o quella spirituale.
La prima è costruita sul concetto che non esiste un mondo spirituale vivente, solo il mondo che possiamo vedere, sentire, toccare e gustare. Questa musica è basata sull'idea che l'uomo è il compositore della musica e la musica si manifesta solo come suono.
E' finita, con un inizio e una fine.
Questa scuola di musica è insegnata nelle scuole in tutto il mondo usando mappe chiamate spartiti che regolano l'immaginazione.
Utilizzando teorie e formule studiate per tenerci lontano da una esperienza religiosa. Il secondo approccio alla musica non viene insegnato nella scuola di musica.
Le teorie della Musica Cosmica, Musica Spirituale, Musica Winti, Musica dei Toni, Musica Om, si basano sulla teoria musicale finale che risiede nell'amore per Dio. Il riconoscimento che l'Universo e tutto ciò che è dentro è collegato ed è musica. "La musica è" tutto ciò che vive, tutto ciò che è parte della creazione. Composizione musicale e l'improvvisazione diventa una forma di preghiera. Succinta e meravigliosa.
Che comprende l'intera esistenza del suono e del silenzio...”
Importante figura di raccordo del free jazz dagli anni Settanta ad oggi, il contrabbassista/compositore William Parker, ha fatto della musica una questione di vita spirituale: spesso lo stesso ha cercato di spiegare alla comunità musicale come il suo jazz fosse intimamente legato alle occasioni della vita, alla sua tristezza, ma anche come fosse possibile sopportarne il carico grazie a quel legame verso la fede in Dio.
Molti non l'hanno compreso, facendogli vivere una vita modestissima dal lato economico, ma Parker ha avuto di converso tante soddisfazioni artistiche.

Tralasciando tutta la maestosa attività svolta a servizio di tanti nomi illustri del free americano e quella condotta in coabitazioni musicali con alcuni dei migliori talenti del free degli ultimi trent'anni, va ricordata la carriera solistica che ha visto nel 1979 in "Through Acceptance of Mistery Peace" il primo vagito discografico importante dell'artista: accanto ad episodi più ermetici, quello che si faceva strada in quel disco era il free ben congegnato di "Committment" (vicino a quello di Leo Smith con splendide esecuzioni in assolo di Arthur Williams alla tromba e John Hagen al sax), i violini esplorativi di Billy Bang e Ramsey Ameen (Face still hands folded is folded) e il suo recitativo di carattere religioso.
L'attività discografica a suo nome si intensificherà solo agli inizi degli anni Novanta, anni in cui le registrazioni si dividono tra quelle costruite in "solitudine" e quelle in cui viene accompagnato da quartetto o band allargata; nell'ambito della prima esperienza Parker pubblicherà due lavori ("Testimony" e "Lifting the Sanctions") che appaiono stridenti, apertamente strumentali, con una personale situazione di trascendenza nella divagazione free molto dura da decifrare; Parker, a differenza di tanti contrabbassisti che si sono mossi solo nell'ambito della composizione, cerca di dare un contributo personale all'evoluzione del suo strumento ed in tal senso si avvicina agli incroci con l'avanguardia classica che pochi altri colleghi hanno intrapreso; anzi cerca anche connubi e affinità collaborative: di quegli anni infatti sono i duetti con Joelle Leandre e Peter Kowald, che producono alcune delle più rare produzioni di contrabbasso suonato in doppia contrapposizione, nonchè gli esperimenti in triplo o in quadruplo basso, alla ricerca di un nuovo "muro" di suono da contrabbasso.

Il sound è spesso ipnotico, con continue scosse allo strumento ricavate anche attraverso tecniche estese, un uso dell'arco tutto frutto della personale interpretazione dei temi di Parker, che dà alla sua musica un tono molto dissonante, incalzante, una prefigurazione di immagini con forza d'urto relativa e il suo stile si caratterizza per una sorta di ronzio incosciente di fondo che dà sostegno a sè e all'attività dei musicisti; uno stile che richiede molto vigore fisico e che si contrappone alle idee della Leandre, ad esempio, che si concentra più sulle possibilità armoniche del contrabbasso.
Le due formazioni principali di Parker saranno gli "In Order to Survive" nel cui gruppo militeranno con costanza il pianista free Cooper-Moore (magnifica via d'incontro tra Cecil Taylor e un certo impressionismo classico), il sassofonista Rob Brown (presenza quasi fissa e capacità innata all'improvvisazione da assolo) e la percussionista Suzie Ibarra (che con Parker fisserà il suo status musicale), con i quali registrerà numerosi lavori discografici.
L'altro gruppo sarà la Little Huey Creative Music Orchestra, un ensemble dedito anch'esso alla riproposizione jazzistica delle band di improvvisazione sulla falsariga dei concetti creati in “Ascension” da Coltrane, ma con un substrato decisamente più indirizzato alle tecniche di avanguardia classica.
Nel decennio 2000 grazie alle registrazioni per la Aum Fidelity e la Thirsty Ear, Parker praticherà formazioni in trio o quartetto in cui sacrificherà il respiro dell'avanguardia per concentrarsi su un attività di sostegno squisitamente ritmica che possa coinvolgere in maniera più convenzionale musicisti operanti nell'area free jazz: sono perfette riproposizioni d'arte quasi pittorica (“O'Neals Porch”, “Luc's Lantern”, “Sound Unity”) o vie di mezzo trasversali con la sua espressione solistica (“Painter's spring” in trio con D.Carter e il suo batterista fidato Hamid Drake, o “Scrapbook” in trio al violino con Billy Bang) oppure estensioni nella spiritualità blues del genere che coinvolgono anche la vocalità tradizionale (Leena Conquest in “Raining on the moon” e “Corn Meal Dance”) e quella etnica (l'indiana Sangeeta Bandyopadhyay nel mediorientale “Double Sunrise”).

In tutte queste registrazioni, Parker sembra aver trovato anche una soluzione accessibile alla comprensione del pubblico ed aver aggiornato molti punti oscuri di contatto tra il free e la sperimentazione classica.
Tanto merito artistico è la causa dell'invito fatto dalla Neos Records sezione jazz (etichetta specializzata nella classica contemporanea) di registrare i concerti fatti con l'ICI Ensemble di Monaco (International Composers and Improvisers) in un cd "Winter sun crying" dove Parker ritorna ad alcuni aspetti musicali intrapresi con la Little Huey Orchestra, ma dove soprattutto il dialogo con gli altri musicisti diventa un viaggio "sonico" che cerca di mediare le posizioni formative e di stile del contrabbassista con le cognizioni raggiunte dai compositori classici moderni.

Altheo "profili": Silvia Canton.

2012-02-01T13:51:00.000+01:00

Altheo people. Silvia Canton.

Silvia Canton nasce a Conegliano (TV) nel 1974.
Diplomatasi al Liceo Artistico e poi all’Accademia di Belle Arti di Roma vive ed opera a Castelfranco Veneto.
La passione per il disegno che l’accompagna fin da bambina, la porta ad affiancare per diversi anni la costumista Odette Nicoletti.
Abbozzi di costumi fatti a matita si animano con infinite velature di colore in una ricerca dettagliata dei particolari;nelle acconciature, nei gioielli, nelle scarpe, nella caduta di ogni singola piega , fino alla decorazione dei tessuti.

Nella capitale e poi a Venezia, l’esperienza lavorativa con importanti professionisti del settore teatrale e cinematografico, formano e disciplinano la sua preparazione permettendole di intervenire nei più svariati ambiti progettuali con attenzione a tutti i dettagli.
Dal foglio alla parete il passo è breve e parallelamente si apre il mondo della decorazione che le permette di arricchire con il suo intervento, interni e facciate di palazzi.
Particolarmente apprezzati gli stucchi, dove centimetro dopo centimetro, con precisione certosina, l’artista intarsia delicati motivi sulla superficie bianca del semplice ma prezioso fondo.

L’approccio alla pittura diviene a questo punto un approdo inevitabile e come un fiume in piena che arriva al mare a seguito di un lungo scorrere, la pittura diviene per Silvia un mare di libertà creativa e di ricerca personale, che dopo la lunga preparazione si libera dei limiti imposti da una trama o da un ambiente, in un dialogo solo intimo e personale fatto di puro colore, tela e sentimento.

Altheo "proposte": Dialogo sull'arte: tre generazioni a confronto.

2012-01-30T14:33:00.000+01:00

Museo Fondazione Luciana Matalon.
Giovedì 9 febbraio 2012
Milano: ore 18.30

Al Museo Fondazione Luciana Matalon, giovedì 9 febbraio 2012 alle 18.30, si svolgerà la conferenza Dialogo sull’Arte.
Tre generazioni a confronto, nell’ambito del festival artistico-letterario Cultura Milano.
Questo prestigioso evento, unico ed innovativo nel suo genere, vuole riunire tre importanti personalità del panorama critico attuale, appartenenti a diverse generazioni: il Prof. Gillo Dorfles, 101 anni, critico d’arte e professore universitario; il Prof. Vittorio Sgarbi, 59 anni, critico d’arte, scrittore e sindaco di Salemi; il Prof. Tomaso Montanari, 41 anni, professore e ricercatore di Storia dell’Arte Moderna, presso l’Università Federico 2° di Napoli, scrittore e collaboratore del “Fatto Quotidiano”.
I noti critici si confronteranno in un vivace ed appassionato dibattito, in forma di amichevole conversazione,coinvolgendo anche il pubblico presente.
Le tematiche affrontate saranno in forma di Lectio Magistralis sulla Storia dell’Arte, con elevato livello e notevole spessore d’approfondimento, intercalate da racconti di vita ed interessanti aneddoti sulla loro formazione e sulle molteplici esperienze personali, che ne hanno caratterizzato e contraddistinto il percorso esistenziale e professionale.
Sarà un modo informale e spontaneo per raccontare e raccontarsi, divulgando un messaggio di sostegno e supporto alla valorizzazione dell’Arte, antica e moderna, in tutte le sue espressioni e manifestazioni più significative e rappresentative, che appartengono al patrimonio culturale di tutti.
Come afferma il Prof. Sgarbi “ L’Arte è, prima di tutto, una forma di conoscenza del mondo, intuitiva e illuminante. La disciplina della Storia dell’Arte, è uno strumento destinato a perfezionarsi, a mutare e deve misurarsi con una realtà sconfinata, che si trasforma, non soltanto verso il futuro, ma anche verso il passato”.
Ingresso libero fino a esaurimento posti. Si consiglia la prenotazione.

Altheo "Mostre": "Fake Identites": Dario Ballantini. Londra.

2012-01-30T14:21:00.001+01:00

Dario Ballantini. "Fake Identities"
31 gennaio, 5 febbraio 2012.
Londra: Fiumano Fine Art gallery.

Vernissage - Martedì 31 gennaio dalle ore 18.30. L’artista sarà presente.

Dario Ballantini nasce a Livorno nel 1964. E’ figlio d’arte e si diploma nel 1984 conseguendo la maturità artistica. Inizia ad esporre le sue opere in Toscana già dal 1985 alternando la carriera di pittore con quella di trasformista per circa 10 anni. Nel 2001 l’incontro con Achille Bonito Oliva rende più incisivo il suo interesse per la pittura e realizza una mostra presso la Galleria Ghelfi di Verona curata da Giancarlo Vigorelli in seguito la mostra farà tappa a Genova e Milano.
Nel 2007 riceve da Bonito Oliva il premio “A.B.O.” d’Argento per la pittura. Tra le importanti mostre successive figurano la Galleria del Palazzo Coveri di Firenze, Castel dell’Ovo di Napoli, la Galleria de l’Europe di Parigi, Castello di Saint Rhèmy-es Bosses in Valle D’Aosta, Galleria San Carlo di Milano.
Nell’ ottobre 2009 alla Triennale Bovisa di Milano si è svolta la mostra multimediale “IDENTITA’ ARTEFATTE”, in cui Ballantini ha congiunto le due attività venticinquennali (pittorica e televisiva) con gli interventi di Antonio Ricci, Enrico Mentana, Lucio Dalla, Enrico Ruggeri, Mario La vezzi e Remo Girone.
Seguono innumerevoli mostre, tra cui Torino Galleria La Telaccia, collettive all’estero, Londra presso la Acquire Gallery, Praga presso la Galleria Brehova, all’UEART Tour 2011 (Stati Uniti d’America) con tappe a Tallhassee, Dallas, Chicago e Miami e partecipa alla Biennale Venezia Padiglione Italia, Milano e Torino. “La Fiumano Fine Art Gallery è lieta di ospitare “Fake Identities”, la prima mostra personale del pittore Dario Ballantini a Londra.
Per questa mostra sono state scelte un gruppo di opere che riflettono le eccezionali capacità pittoriche e lasciano trasparire globalmente l’esperienza dei maestri che lo hanno preceduto. Dario Ballantini non ha paura di sperimentare riempiendo tavole, tele e carte con colori acrilici.
La maggior parte delle sue opere sono di grandi dimensioni, e gli consentono di manipolare con maestria, libertà e controllo i colori.
Dario Ballantini è oggi uno degli artisti più interessanti del panorama artistico contemporaneo in Italia.
Il suo naturale talento combinato con un profondo studio accademico lo posizionano fermamente nella storia dell’arte moderna occidentale.
Nelle sue tele egli sfuma i confini tra realtà e finzione ma ciò non intacca la sua chiara ed evidente identità di pittore contemporaneo.

Altheo "Mostre": Identità artefatte. Dario Ballantini.
Altheo "Mostre": Euart 2011. Dario Ballantini.
Altheo "Portfolio":"In Arte" Dario Ballantini.

Altheo "progetti": Visioni di Sandro Frinolli Puzzilli.

2012-01-27T10:53:00.000+01:00

Altheo "progetti": Visioni di Sandro Frinolli Puzzilli.

Sandro Frinolli Puzzilli fotografo romano, recentemente sta portando in mostra il progetto fotografico “Visioni” dedicato alla ricerca di figure e forme ottenute da elementi della natura come acqua fuoco nuvole e oggetti che abitualmente occupano i nostri spazi quotidiani, trasformandoli in immagini che inducono l’osservatore a trovare similitudini nella propria memoria.
Esprime concetti visivi immaginari che allo stesso tempo si concretizzano in forme definite, a volte allusive altre sfacciate.
Gioca ad accennare racconti sensuali con rotondità ammiccanti oppure, interpretando l’immaginario, esprime paure e incubi affermando creature spaventose. Trasforma oggetti e soggetti noti, mutandoli in sensazioni estetiche che spesso nulla hanno a che vedere con la matrice originaria.
Riesce a confondere l’osservatore sulla provenienza iniziale del soggetto, facendo del riconoscimento un gioco visivo e di funzione mnemonica.

Da una recensione di Fausto RaschiatoreQuesta selezione d’immagini è parte di una ricerca fotografica che già nel titolo – Visioni – anticipa concettualmente i contenuti in termini strutturali.
Visioni come Apparizioni, Percezioni visive, Allucinazioni, vere e proprie stilizzazioni figurali che Sandro Frinolli Puzzilli vede lungo il suo percorso d’indagine creativa e ferma in singoli scatti.
L’autore sintetizza le diverse Visioni, frammenti fuggevoli e mutevoli, che albergano nel suo immaginario, talvolta delineati in ogni dettaglio, talaltra, appena visibili, sfumati nel segno, nei toni chiaroscurali, nel colore e nei significati, ma sempre avvolti in stimolanti concettualizzazioni.
Un’indagine che è anche un percorso di analisi e di sperimentazione il cui punto nodale per SFP consiste nel dare visibilità all’invisibile. Ed è il suo obiettivo in questo lavoro, nel quale cattura le sue Visioni che diventano immagini. Sono segmenti di realtà con una nuova soggettività collocati in una sequenza articolata nell’ambito di un progetto-studio, sia per il linguaggio espressivo, sia per l’aspetto estetico e culturale.

Da un pretesto, anche banale, spesso insignificante, alla creazione di una entità inedita, unica, espressiva. L’autore osserva e indaga il reale, ne estrae un pretesto e lo proietta, trasformandolo, in immagine per il fruitore che invita a osservare e a sollecitarne l’interpretazione, stimolandolo a trovare similitudini nella propria memoria. Un gioco sottile di un osservatore che legge liberamente la contemporaneità o parti di essa e la filtra al vaglio della propria sensibilità, attraverso la fotografia.
Con equilibrio, senso estetico, gusto narrativo, stimoli culturali. Osservando il reale, ognuno di noi estrae, anche quotidianamente e magari inavvertitamente, in termini visivi, qualcosa di speciale, che può essere la sintesi di una riflessione, la discussione di un punto di vista, la rappresentazione di una visualizzazione, di un segmento del reale indagato.
E’ sempre, comunque, la risultante di una argomentazione maturata iconicamente coniugando lo sguardo, la mente e la propria sensibilità.
Ed è quello che fa SFP, per se stesso e per altri, con la fotografia di ricerca nell’ambito di un progetto che esplora il nostro tempo.

Visioni sono il risultato di questa indagine che l’autore porta avanti da tempo, in b/n e colore, strutturandone i contenuti in più sezioni linguistiche ed espressive.
Egli osserva il quotidiano nelle sue diverse articolazioni, si sofferma con lo stesso interesse su cose semplici o complesse, senza vincoli progettuali, come ad esempio in questo book, quando indaga l’Acqua, il Fuoco, le Nuvole, il Cibo oggetti e soggetti in apparenza scontati e insignificanti e li interpreta innervandoli della propria interiorità, trasformandoli in immagini-veicolo di una riflessione.
Penetra nell’intimo dei segmenti che esplora, non importa che siano pretesti carichi di significati o, al contrario, banali oggetti del nostro tempo. L’autore romano osserva ogni cosa nel profondo dei significati con l’intento di percepirne le specificità e l’obiettivo di stimolare l’osservatore.

Il portfolio argomenta su concettualizzazioni visive e su visualizzazioni concettuali in un contesto fantastico nel quale esse conversano tra loro in un moto armonioso di percezioni emotive che si alternano in una trama surreale di Visioni indefinite, ironiche, allusive, forti, visivamente aggressive, spesso corrosive.
SFP crea e si diverte, esprime concetti e sembra che giochi a raccontare e a interpretare l’immaginario.
Le sue immagini disegnano un puzzle polisemantico, un mondo di sogni, accattivante, ambiguo, suggestivo, in una dimensione altra che proietta un universo parallelo che corre, in silenzio e ovattato nel nulla, lungo il reale in un confronto continuo.
Un mondo che intriga, magico, fatto di immagini straordinarie, di speranze, di Visioni.

Altheo "istanti": Oded Balilty. Una contro mille. 2007.

2012-01-24T11:20:00.001+01:00

Altheo "istanti":
Le foto vincitrici del Premio Pulitzer.
Oded Balilty. Una contro mille. 2007.

La conflittualità non era nuova per Oded Balilty, il quale, in due anni come fotografo dell'Associated Press a Gerusalemme, aveva spesso seguito gli scontri tra Israele e Palestinesi.
Il 1 febbraio 2006, nella cittadina cisgiordana di Amona, a poca distanza da Ramallah, la situazione era un po' diversa: gli Israeliani affrontavano altri Israeliani.
I coloni di Amona avevano costruito case sulla terra palestinese e i tribunali d'Israele le avevano dichiarate illegali ordinandone l'evacuazione.
Le forze di sicurezza Israeliane furono incaricate di sovrintendere all'evacuazione.
Lo scontro era certo, i coloni avrebbero opposto resistenza, e Balilty e altri fotografi si trovavano sulla scena per immortalare qualunque cosa accadesse.
Ben presto la situazione divenne caotica. Le forze di sicurezza avanzarono verso l'insediamento mentre i coloni cominciavano a lanciare pietre.

"Vidi la giovane donna esitare un attimo e la fila di agenti avanzare, e non feci altro che afferrare la mia fotocamera", ricordò Balilty in seguito.
La contestatrice solitaria si mise davanti alle forze di sicurezza, ma essi caricarono a testa bassa quel fragile ostacolo.
Balilty scattò la sua fotografia: una giovane con una gonna lunga che da sola cerca di fermare le forze in tenuta antisommossa e armate di manganelli.
Gli agenti la gettarono a terra, la colpirono con i manganelli, la strattonarono per i capelli e proseguirono verso il loro obiettivo.
L'immagine era nella classica tradizione di Davide contro Golia (sebbene in questo caso, qualcuno commentò in seguito, Davide sia stato sconfitto), e fu ampiamente pubblicata in tutto il mondo.
La ragazza della fotografia, che si presentò come Nili, era una quindicenne abitante di Amona.
Definì lo scatto un disonore per Israele perchè mostrava le forze di sicurezza attaccare la popolazione anzichè difenderla.

"Sapevo di avere un ottima immagine", affermò Balilty, "ma non avevo mai pensato al Premio Pulitzer".
Disse che quando gli fu comunicata la notizia della vittoria si era sentito "come se avessi toccato il cielo con un dito". L'immagine scatenò reazioni diverse.
Alcuni sostenevano che il governo israeliano faceva finalmente qualcosa per la questione degli insediamenti; altri credevano che il governo avesse agito con scarsa saggezza e che fosse stato immortalato un uso non necessario della mano pesante contro la comunità.
Balilty commentò a proposito di queste reazioni contraddittorie: "Secondo alcuni la fotografia rifletteva idee di sinistra, per altri era in favore della destra.
E' la bellezza di questo scatto: entrambi le parti pensavano di aver ragione. Gli uni dicevano: Guarda stanno resistendo, gli altri: bene, stanno evacuando i coloni".
Oltre al Pulitzer, lo scatto si aggiudicò molti altri premi internazionali.
Balilty, che è nato a Gerusalemme e ha imparato a fotografare nell'esercito israeliano, ha lavorato per un giornale e un'agenzia di stampa prima di entrare all'Associated Press.
Balilty ha anche fatto parte della squadra di fotografi dell'Associated Press che realizzò il fotoreportage della battaglia tra Israele e Hezbollah in Libano classificandosi secondo al Premio Pulitzer del 2007.

Altheo "istanti": Kevin Carter. La bambina e l'avvoltoio.

Altheo "scultura": La scultura di Domenico Colanzi.

2012-01-21T13:12:00.000+01:00

Altheo "scultura": La scultura di Domenico Colanzi.
Raccontato da Pedro Fiori.

Lo conosco bene. Domenico Colanzi è un uomo silenzioso.
Parla poco. Sente e pensa molto. E' nel profondo un emotivo: Una persona viscerale.
Tutto il suo universo creativo, il senso che ha dato alla sua vita di artista, è sintetizzato nelle sue immagini plastiche: stilizzate fino alla metafora figurale, allusive fino alla coralità del simbolo.
Scultore come dimensioni metaforiche di voli della materia e della forma con quelle "illuminazioni" interattive tra spazi pieni e spazi vuoti.
Una "circolarità del segno", la sua, che avvolge in un movimento emblematizzante tutto il volume: è un modulo enucleante della sua scultura.
Immagini che quindi vivono come una ritualità della sua fantasia. Come uno scavare della sua emotività nelle sensazioni che lo nutrono.
Sono rivelazioni di quella sua "poesia della pietra (della Maiella), del marmo (rosa e nero), del bronzo".
Simboli che lui fa nascere dalla materia mediante il processo epifanico delle forme.

Agli inzi degli anni 80, scrivendo del mondo immaginativo colanziano, a Milano (le sue sculture e i suoi dipinti) chiamano infatti Colanzi "un originale artista del nostro tempo": Da allora a oggi il cammino di Colanzi, nato ad Archi (Chieti), ha seguito il proprio destino.
Posso affermare che da tempo, una sua dimensione all'interno dei valori dell'attuale panorama della scultura italiana: come proposta e problematica di quella tendenza che, anche in ambito internazionale, ho definito "Scultura simbolica".
Scultore di razza, creatore di sensazioni emozionali, nelle sue opere si sentono i battiti dell'intuizione e le riflessioni dell'intelligenza.

Seguo con attenzione la ricerca formale e semantica che nutre l'espressività di questo maestro abruzzese trapiantato a Milano.
Lui ha continuato ad estendere, e ricercare i temi che gli stanno a cuore, che gli permettono, infine, di liberare, in modo catartico, i suoi sentimenti e tradurli, poi, in un linguaggio plastico moderno suggestivo nei suoi pregnanti significati: quel labirinto dell'inconscio che ci portiamo dentro come una ferita.
Ha saputo sempre rinnovarsi nel suo stile senza perdere mai la propria identità riflessiva. Come fanno i veri artisti.
Le sue opere sono state esposte in diverse città d'Italia e dell'estero (in altre d' Europa, negli Stati Uniti, nel Canada, In Australia e in Sudafrica.
Numerose personali e partecipazioni a rassegne, biennali, fiere internzionali.
Colanzi è un disegnatore nato è la capitale meneghina è appunto il suo nucleo di proiezione: la città del Futurismo di Marinetti e dello spazialismo di Fontana.
E', a mio avviso, uno degli scultori più significativi della sua generazione.
I suoi lavori lo confermano.

Altheo "Fotografia del XX secolo": Dorothea Lange.

2012-01-21T13:11:00.000+01:00

Altheo "Fotografia del XX secolo": Dorothea Lange.

"Giù le mani! Non infastidisco quello che fotografo, non ci metto niente di mio, non preparo niente".
Questo è uno dei principi della fotografa americana Dorothea Lange, che con la sua opera ha fornito un contributo tra i più vivaci alla fotografia impegnata e socio-documentarista del XX secolo.
Dopo aver frequentato la Columbia University di New York con Clarence H. White, dal 1917 al 1919 Dorothea Lange lavora inizialmente come fotografa freelance a San Francisco.
sconcertata dal numero di persone senza tetto e in cerca di un lavoro durante gli anni della depressione, decide di ritrarre l'uomo della strada per attirare l'attenzione sulla sua miseria mediante le sue fotografie.
Nel 1935, entra al servizio della Farm Security Administration (FSA) e realizza un reportage sulle condizioni di vita nelle zone rurali degli USA.
Documenta in modo spietato la dolorosa povertà dei lavoratori e delle loro famiglie che si spostano di luogo in luogo in cerca di lavoro.
Con le sue fotografie Dorothea Lange documenta non solo l'avvilimento e la disperazione, ma coglie al tempo stesso anche l'orgoglio e la dignità con cui queste persone sopportano il proprio destino.
Una delle fotografie più famose e più pubblicate dell'intero progetto FSA è "Madre senza Patria", ritratto di una lavoratrice californiana che peregrina di paese in paese con i suoi tre bambini.

Il volto della giovane donna è segnato dalle rughe e il suo sguardo si perde preoccupato in lontananza.
A destra e a sinistra i due bambini più grandi si sono appoggiati alle sue spalle cercando protezione e nascondono timidi il volto davanti all'obiettivo, mentre il piccolo in grembo alla mamma è addormentato.
Con questa immagine di estrema concentrazione e compattezza, Dorothea Lange ha creato un icona della fotografia dell'impegno sociale.

Altheo "Fotografia del XX secolo": Irving Penn.
Altheo "Fotografia del XX secolo": Gordon Parks.
Altheo "Fotografia del XX secolo": Gregory Colbert.
Altheo "Fotografia del XX secolo": Alfred Cheney Johston.
Altheo "Fotografia del XX secolo": Peter H. Furst.
Altheo "Fotografia del XX secolo": Franco Fontana.
Altheo "Fotografia del XX secolo": Cohen Serge Moreno.
Altheo "Fotografia del XX secolo": Elsken Ed van der.
Altheo "Fotografia del XX secolo": Margaret Bourke-White.

Altheo "gli speciali": Le opere di Gloria Guidi Nobile.

2012-01-21T13:07:00.002+01:00

Altheo people: Gloria Guidi Nobile.

Sono nata in Friuli a Martignacco in provincia di Udine, da ragazzina ho messo le radici in Svizzera a Lugano.

Dal mese di settembre 2010, per motivi di lavoro di mio marito, abito a Klosters fra le belle montagne grigionesi.
In questo periodo non ho un stile ben preciso, semplicemente continuo a provare cose nuove, con un certo eclettismo e con una preferenza per i colori vivaci.

Amo spaziare, saggiare parecchie tecniche e questo percorso mi ha portata ad esprimermi oltre ai classici lavori ad olio anche con opere astratte e materiche, ottenendo particolari risultati mediante l'impiego di materiali eterogenei come la carta pesta, la lana, sabbie diverse, cortecce, stoffe; passando da una tecnica all'altra, a detta di alcuni, con la stessa facilità.

Il filo della vita.

Olio, Tela, 70x50cm, 2011

Note sull'opera:

un eroico guerriero con il coraggio di dire basta

Il diritto a un'infanzia sicura di emozioni e scoperte, all'istruzione, alle cure, alle medicine.

Olio, Tela, 50x40cm, 2009

Note sull'opera:

Da una recensione di Salvatore Russo

In quest’opera Gloria ci mette di fronte ad un problema, quello legato alla crescita dei bimbi africani, che ormai da anni è l’oggetto di discussione per eccellenza da parte di O.N.U. e F.A.O.

L’artista ritrae il volto di un bimbo Masai. In quegli occhi si può notare tutta la tristezza di chi è consapevole del proprio destino. Quasi un sorta di rassegnazione sul suo futuro.

A squarciare però questo buio ci pensa una luce che avvolge interamente gli occhi del bimbo.

Si tratta di una luce di salvezza, una possibile via di fuga che viene data alla persona oggetto della sua rappresentazione.

Gloria nel dipinto decide di rappresentare anche una mano che accarezza il viso del bimbo, quasi a dargli quella sicurezza tanto desiderata.

Una dicotomia concettuale che porta l’opera ad avere un alone di mistero.

Un’infanzia dunque che va protetta. Un’infanzia che non deve più essere ricordata per la povertà, ma per i progetti futuri.

Rajastan, portatrice d'acqua.

Olio, Tela, 80x50cm, 2010

Note sull'opera:

i colori del Rajasthan

Altheo "gli speciali": Le opere di Angelo Zani.

Altheo "Design Gran Bretagna": Wells Coates. Designer di mobili e product designer.

2012-01-19T12:11:00.001+01:00

Altheo "Design Gran Bretagna": Wells Coates.
Designer di mobili e product designer.

Wells Coates face parte del più importante gruppo di architetti e designer d'avanguardia che operarono in Gran Bretagna nel periodo tra le due guerre, ma i suoi progetti furono così innovativi da continuare a suscitare interesse ed ammirazione, ciò che è dimostrato dai prezzi cui sono state vendute in recenti aste.
Le sue realizzazioni comprendono complessi residenziali in stile modernista, tra cui vanno ricordati i "blocks" di Lawn Road a Hampstead a nord di Londra e la Embassy Court di Brighton, la facciata e gli interni dei negozi Cresta Silk, gli interni della BBC Broadcasting House, la "Minimum Kitchen" esposta nella Dorland hall a Londra, oltre a un sorprendente apparecchio radio rotondo, in bachelite, realizzato dalla Ekco.
Quest'ultimo ha contribuito a mantenere alta la reputazione di Coates fino ai nostri giorni e ne ha fatto uno dei pionieri del design inglese moderno.

Canadese di nascita e cresciuto in Giappone, Coates studiò ingegneria a Londra, furono i suoi studi di ingegneria ad affinare la predisposizione per il product design.

Fu un designer prolifico, e nella sua seppur breve carriera lavorò a una gamma di prodotti molto estesa.

Grande appassionato di sport, disegnò un catamarano per suo uso personale.

Come abbiamo già ricordato il suo lavoro per la Ekco fu estremamente radicale, e contribuì a trasformare la radio dal "mobile" che era, a piccolo elettrodomestico.

Le radio e le stufe elettriche di Coates sono caratterizzate da un purismo nella linea che rimanda al razionalismo europeo e che le fa associare al modernismo piuttosto che alla tendenza tutta americana a realizzare prodotti dalla linea affusolata.

Ricordato come uno dei pionieri del design britannico, negli ultimi anni della sua vita Coates lasciò l'Inghilterra per gli Stati Uniti, dove fu chiamato a insegnare design ad Harvard.

Vita.

1895. Nasce in Giappone, con cittadinanza canadese.
1919. Studia a Londra.
1925. Inviato speciale alla Exposition Internationale des Arts decoratifs di Parigi.
1928. Allestimenti per la catena di negozi Cresta Silks.
1931. Fonda lacon Jack Pritchard la ditta Isokon.
1944. E' proclamato Royal Designer for Industry.
1958. Muore negli States.

Prodotti.

1931. Arredamento per la BBC Broadcasting House, Londra.
1933. Arreda la Minimum Kitchen nella Dorland Hall di Londra.
1934. Radio AD65 per Ekco.
1947. Radio Princess Handbag per Ekco.

Altheo "Design Gran Bretagna": Laura Ashley. Stilista.
Altheo "Design Gran Bretagna": Vaughan Oliver. Grafico.
Altheo "Design Gran Bretagna": Roy Fleetwood. Product Designer.
Altheo "Design Gran Bretagna": Jamie Reid. Grafico.

Altheo "Mostre": Arte Fiera 2012. Il meglio dell'arte contemporanea invade Bologna.

2012-01-19T09:04:00.000+01:00

Altheo "Mostre": Arte Fiera 2012. Il meglio dell'arte contemporanea invade Bologna
Dal 27 al 30 gennaio 2012 alla Fiera e nel centro storico di Bologna.

Il meglio che il mercato internazionale dell’arte contemporanea ha da offrire si appresta nuovamente a invadere Bologna per trasformare la città di Bologna in un vero e proprio museo a cielo aperto, dove l’arte si respira nell’aria.
Si svolgerà infatti dal 27 al 30 gennaio presso la Fiera di Bologna e in tantissime altre location sparse per la città la 36esima edizione di Arte Fiera – Art First, la tradizionale rassegna dedicata ai migliori artisti in circolazione organizzata da Bologna Fiere in collaborazione con il Comune di Bologna, la Fondazione Carisbo, la Camera di Commercio di Bologna e Confcommercio Ascom Bologna.
Il vernissage dell’edizione 2012 si aprirà giovedì 26 gennaio alle 17 con gli artisti del Teatro Comunale sulle note delle splendide arie della “Turandot”, opera che verrà messa in scena nei giorni seguenti sullo storico palco cittadino, mentre nella giornata di venerdì 27, dopo gli eventi dedicati gli anni scorsi a Bill Viola e Marina Abramovic, alle 21 alla Sala Borsa il protagonista sarà Luigi Ontani, artista di fama internazionale che si produrrà in un confronto a tre con Renato Barilli, docente al Dams dell’Università di Bologna, e lo scrittore Aldo Busi.

Luigi Ontani

All’interno della Fiera si potrà ammirare oltre un secolo di ricerca artistica rappresentata dai suoi massimi esponenti grazie alle proposte di 150 gallerie fra le principali in Italia e all’estero, attentamente selezionate da un comitato internazionale: il padiglione 16 ospiterà la sezione più storicizzata con opere dei grandi maestri italiani e internazionali dall’inizio del XX secolo fino agli anni ’50, mentre i padiglioni 21 e 22 saranno invece dedicati alle gallerie che espongono artisti di fama mondiale con un innovativo layout che avvicinerà i capolavori riconosciuti dell’arte moderna alle opere delle nuove generazioni e la possibilità di trovare, in un momento storico in cui l’arte sta tornando a essere una forma di investimento sicuro, opere dai prezzi accessibili anche per chi dispone di budget limitati o per chi si avvicina da novizio al mondo del collezionismo.
Tra le novità il progetto “On the spot” ideato dal curatore spagnolo Paolo Barragàn, all’interno del quale ogni giorno verrà realizzata una mostra istantanea firmata da quattro curatori di fama internazionale mentre nello spazio Art Talks e all’Art Café si susseguiranno incontri, presentazioni e dibattiti con la presenza di artisti, critici, direttori di musei, curatori e protagonisti del mondo dell’arte e della cultura.
Sabato 28 gennaio, nello spazio Art Talks, verranno proclamati i vincitori dei premi collegati alla manifestazione come il Premio Euromobil Under 30, il Premio Internazionale di Arte Partecipativa promosso dall’Assemblea Legislativa della Regione Emilia-Romagna e il Premio Videoinsight ®, mentre domenica 29 l’Osservatorio sul Mercato dei Beni Artistici di Nomisma presenterà il suo rapporto annuale.

E saranno più di cento gli eventi sparsi per tutta la città, realizzati grazie anche alla collaborazione delle varie Istituzioni e associazioni di categoria e culturali: al Mambo, a partire dal 26 gennaio, sarà aperta la mostra “Marcel Broodthaers. L’espace de l’écriture” e verrà inoltre presentata una selezione delle più recenti acquisizioni e donazioni, mentre sabato 28 debutterà “Contrappunti C”, l’opera recentemente donata al museo dall’artista Marco Gastini.
Al Museo Morandi, accanto alla mostra temporanea di Hollan, sarà possibile ammirare quattro capolavori del maestro di Grizzana provenienti dalla collezione privata di Luciano Pavarotti e, nell’ambito del progetto Bologna si Rivela, la Fondazione Carisbo aprirà a Palazzo Pepoli le porte del Museo della Storia di Bologna e a Palazzo Fava due importanti mostre di pittura e stampa.
Ancora la Fondazione del Monte ospiterà nei locali di via delle Donzelle una mostra antologica di Luciano Minguzzi e all’Oratorio dei Filippini, sabato 28, una performance dell’artista Valeria Magli intitolata “La fantasmatica di Man”, e infine la Cineteca di Bologna proseguirà nel programma della sua rassegna Cinevino, curata dal documentarista-sommelier Jonathan Nossiter, cui si affiancheranno un omaggio al video poeta Enzo Minarelli e una mostra di ritratti d’artista del grande fotografo Antonio Masotti.

Fra le iniziative in città Bologna Art First, il progetto in collaborazione con il Comune giunto alla settima edizione e che trasformerà la città in un affascinante scenario con installazioni e interventi site specific, e ovviamente Arte Fiera Off con i suoi appuntamenti: al Palazzo del Podestà, dal 28 gennaio al 12 febbraio, “Da 0 a 100.
Le nuove età della vita. Arte e scienza, due occhi su noi stessi”, mostra a cura della Fondazione Marino Golinelli, a Villa delle Rose “The eye of the collector”, special guest event a cura di Julia Draganovic e Claudia Loeffelholz con opere di video art dalla Collezione Manuel De Santaren, allo spazio Twin Mind la mostra dedicata a Julia Zastava ed Emiliano Maggi a cura di Daria Khan, mentre a Reggio Emilia la Collezione Maramotti presenterà una selezione di oltre duecento opere dagli anni ’50 a oggi acquisite dal grande imprenditore e collezionista nonché la personale di Alessandro Pessoli.
Infine per i più goderecci la serata di sabato 28 gennaio, come ormai da prassi consolidata, diventerà Art White Night, la notte bianca dell’arte contemporanea: musei, installazioni, gallerie d’arte e negozi del centro storico di Bologna rimarranno aperti fino a tarda ora, con il consueto corollario di eventi, iniziative e party, mentre al Mambo ci sarà spazio per i più piccini con la Notte Bianca dell’Arte dei Bambini, un programma che dalle 19 proporrà numerose attività in un interessante percorso plurisensoriale.
E per concludere, altra importante novità, il biglietto d’ingresso della manifestazione darà diritto, per tutta la durata della stessa, all’ingresso gratuito anche al Mambo-Museo d’Arte Moderna di Bologna, al Museo Morandi, alle nuove sale dei musei della città del circuito Fondazione Carisbo e a tutti i musei civici cittadini come il Museo Civico Archeologico, i Musei Civici d’Arte Antica, il Museo della Musica e il Museo del Patrimonio Industriale.

Altheo "proposte" : Alla scoperta del segno Inciso. Luana Raia.

2012-01-17T14:07:00.000+01:00

Altheo "proposte" : Alla scoperta del segno Inciso. Luana Raia.

“Alla scoperta del segno inciso”, laboratorio di arte incisa con l’artista internazionale Luana Raia.
Da giovedì 19 gennaio, il Comune di Casnigo propone a tutti gli appassionati di arte (ma non solo) un evento davvero imperdibile: “Alla scoperta del segno inciso”.
Un laboratorio avvincente e appassionante sulla stampa d’arte e sulle antiche tecniche d’incisione, sotto l’eccezionale guida dell’artista Luana Raia.
Lo straordinario percorso didattico condurrà i partecipanti a conoscere a grandi linee la storia della stampa d’arte, con particolare attenzione all’incisione su rame e alla tecnica dell’acquaforte (tra le più antiche in assoluto), utilizzate dai grandi artisti del passato ma anche dell’arte contemporanea.
Mostrare quali e quanti piccoli segreti, abbia una delle prime tecniche di stampa, offrendo una conoscenza pratica e adeguata alle capacità e all’età ogni singolo allievo, nonché, alle esigenze del lavoro stesso.
Offrire una conoscenza della tecnica in sintesi, tale da rendere quasi del tutto autonoma la realizzazione di un elaborato finale, senza trascurare la creatività dell’apprendente.
Il percorso didattico prevede 4 lezioni (2 ore ciascuna) a partire da giovedì 19 gennaio, all’oratorio del Comune di Casnigo con mostra finale degli elaborati.
Gli iscritti saranno suddivisi in gruppi da 20, per ogni ciclo. La precedenza sarà stabilita in base alla data di iscrizione. A seconda del numero delle richieste, si effettueranno diversi cicli con le stesse modalità. Il laboratorio è aperto a tutte le fasce di età.
Gli incontri si svolgeranno tutti i Giovedì, dalle 14.30 alle 16.30. Quota d’iscrizione 40 euro.

Altheo "profili": Luana Raia.

Altheo "proposte": Palazzo Morando Costume Moda Immagine. Milano.

2012-01-17T12:34:00.000+01:00

Altheo "proposte": Palazzo Morando Costume Moda Immagine. Milano.

Cambia integralmente l’allestimento al primo piano di Palazzo Morando Costume Moda Immagine.

In omaggio al Centocinquantesimo dell’Unità d’Italia gli abiti esposti sinora, che seguivano la periodizzazione delle Sale della Pinacoteca di Palazzo Morando, dalla fine del Seicento agli inizi del Novecento, vengono ora sostituiti con una nuova serie di diciotto abiti femminili, restaurati grazie a Baccarat, che si avvicendano nelle sale della Pinacoteca e dell’appartamento Morando.

Gli abiti, selezionati e descritti da Alessia Schiavi e Elisabetta Chiodini, illustrano i mutamenti di stile delle signore milanesi tra la fine del XIX e l’inizio del XX secolo, mostrando uno spaccato dell’immagine della società milanese a cavallo di due secoli.

L’esposizione illustra come le signore della buona borghesia milanese postunitaria si dovessero presentare in pubblico rafinate ed eleganti e indossassero, perciò, rigidi busti, che conferivano loro i classici “vitini da vespa”, e le crinoline, costituite da cerchi di ferro (le cercine) che gonfiavano a dismisura le gonne.

Gli abiti avevano corpetti molto aderenti, accollati, talvolta resi civettuoli da collaretti e preziosi camicini ricamati. Le dame si presentavano con abbigliamenti sfarzosi e le gonne sembravano corolle di fiori capovolti.

I colori dei vestiti erano armonici, soprattutto nella scelta dei colori da abbinare e non meno accurata e armoniosa doveva essere la combinazione di tutti gli accessori: cappelli, scarpe, guanti e anche ombrellini dovevano essere tutti rigorosamente in tinta e indossati a seconda delle opportunità e delle occasioni.

Nell’ultimo trentennio dell’Ottocento la moda femminile non subì, in genere, radicali mutamenti, con un’unica ma significativa innovazione: la forma delle gonne.

Queste, infatti, che fino alla fine degli anni sessanta sembravano aver raggiunto le forme e le dimensioni di enormi palloni, ora venivano a cadere pressoché diritte sul davanti per gonfiarsi, spesso oltre misura, nella parte alta del didietro: dalla donna a forma di “campana” si passò alla donna a forma di “tulipano”.

Sul finire del XIX secolo, gonne e corsetti apparivano completamente trasformati.

Le prime, abbandonato ogni rigonfiamento, cadevano dritte e morbide ai piedi, i secondi rinserravano in modo assai ridotto ed attillato i busti.

Cappelli sempre più ampi, simili a parasoli, sostituirono i copricapo che dagli anni settanta si erano progressivamente rimpiccioliti.

All’inizio del XX secolo le donne milanesi e italiane, similmente a quanto accadeva nel resto dell’Europa, parvero rinunciare alla stravaganza nel vestire e a ricercare, viceversa, razionalità e semplicità.

Manifestazione questa sempre più evidente della spinta verso l’emancipazione di una donna che si vedeva non più come oggetto ma come soggetto, in famiglia, in società e anche in politica.

Altheo "vinile": Eric Clapton, Unplugged 1992.

2012-01-17T11:53:00.003+01:00

Altheo "vinile": I 100 LP che hanno fatto la storia della musica.
Eric Clapton, Unplugged 1992.

Caduto il "Muro", abbiamo visto la riunificazione tedesca nel 1990, nel 1991 la disgregazione sovietica, e in questo 1992 la sua accelerazione.
Non essendoci più un centro politico ideologico, che controlla il Paese, ogni nazione riprende in mano la vecchia cartina e la ripropone con il suo antico nazionalismo davanti a tutti, con la forza, a volte anche impari.
Il "terremoto" Tangentopoli, pur appena all'inizio, causa immediate ripercussioni nella politica delle elezioni del 5 aprile, con effetti devastanti in alcuni partiti, ma di inaspettato aiuto in altre compagini emergenti, che hanno approfittato del disordine e del caos.
Si dimette il "centesimo" governo Andreotti e il Presidente Cossiga annuncia le sue dimissioni. Sembra tutto molto strano ma vi assicuro che è vero.
L'anno delle stragi: Giovanni Falcone, Paolo Borsellino, Salvo Lima, sono la causa inaspettata e forse tardiva della prima manifestazione a Palermo contro la mafia. Centinaia di migliaia di persone hanno deciso di dire basta,
mentre il leghista Miglio propone di staccare la Sicilia dall'Italia.
Bella idea, ero curioso di vedere come cazzo si stacca un isola.
Mah! anche questo è il mio paese.

Negli anni '90 la serie di concerti dal vivo eseguiti negli studi di MTV, chiamati Unplugged, sfociò in una serie di dischi molto interessanti, ma non vi è dubbio alcuno che quello di Eric Clapton fu tra i migliori e il più venduto.
Nell'album Clapton ritorna alle sue origini blues, riproponendo una nuova versione dei suoi pezzi più noti insieme agli standard tipici del blues.
Clapton lavora con una band molto ristretta, basso, batteria, poche tastiere, il che dà grande enfasi alla voce e alla chitarra di "Slow Hands".
L'album si apre con la strumentale Signe dal gusto latino, prima di passare ad una versione di Before You Accuse Me di Bo Diddley.
Clapton mostra la profondità della sua passione per il blues rivisitando pezzi come Nobody Knows You When You're Down And Out di Jimmy Cox, Walkin' Blues di Jesse Fuller.
Ma il materiale originale di Clapton che fa di Unplugged uno dei suoi album più grandi: l'artista da un nuovo respiro a Layla aggiundendovi un ritmo ragtime, mentre la struggente Tears in Heaven è dedicata a Conor, il figlio morto prematuramente.
Unplugged vinse cinque Grammy e arrivò al numero uno della classifica Billboard.

Altheo

Video: Eric Clapton Unplugged: Tears in Heaven.

Altheo "vinile": Queen. News of the World.1977.
Altheo "vinile": Coldplay. Viva la vida. 2008.
Altheo "vinile": Santana. Santana. 1969.
Altheo "vinile": Nirvana. Nevermind. 1991.
Altheo "vinile": Dire Straits. Love Over Gold. 1982
Altheo "vinile": Deep Purple. Made in Japan. 1972.
Altheo "vinile": Hair. 1968

Altheo "proposte": Tra corpo e mente. Barletta.

2012-01-17T10:17:00.000+01:00

Barletta: Tra corpo e mente.

Mostra Collettiva d’arte contemporanea dal titolo Tra corpo e mente - Centro Culturale Zerouno

Collettiva d’arte contemporanea
16 – 30 gennaio 2012
Cura e Testi: Anna Soricaro
Espongono: Luciana Adami, Laura Ferretti, Francesca Gallusi, Nikolinka Nikolova.
Ingresso Libero.

Comunicare attraverso l’arte è il metodo più antico del mondo, ma l’evoluzione dei tempi unitamente alle differenti libere espressioni danno vita a creazioni inconsuete, diversificate create sotto lo stesso segno affettivo nei confronti dell’arte.
Ma non basta, ogni tratto è frutto di un ricordo o di una emozione e poi diviene prodotto della gestualità divenendo poi nome che consente di individuare il senso dell’opera.
Luciana Adami predilige la pittura dei mandala per esprimere la mediazione tra corpo e mente.
Un viaggio di studio e riflessione reso tra luce e ombra, vuoti e pieni, con una energica pittura che diviene criterio di liberazione.

Laura Ferretti delimita infiniti spazi saturi di colore, ora ideali paesaggi dai toni ravvicinati ora misteriose distese in cui le onde di colore si allargano.
Francesca Gallusi dichiara i propri stati d’animo attraverso una pittura gestuale e corposa, visione dell’interiorità ma anche reazione al mondo esterno che suscita pulsioni e azioni forti. Nikolinka Nikolova attua un grande dinamismo dai toni leggiadri rompe gli equilibri formali, in un rigore calibrato e meditato dove i toni sono i veri protagonisti.
Le sue sono esplosioni di colore che partono da un punto per propagarsi ed espandersi nel resto della tela.

Altheo "Mostre": Adolfo Wildt.

2012-01-17T10:03:00.000+01:00

Altheo "Mostre": Adolfo Wildt.
Forlì, omaggio all'arte dimenticata.
Forlì ospita una grande mostra dedicata ad Adolfo Wildt, artista tra i più sofisticati del Novecento.

Non bisogna necessariamente visitare le grandi metropoli o le città più battute dal turismo di massa per vedere grandi mostre che ospitano interessanti opere d’arte: spesso sono le realtà più piccole a proporre al meglio esposizioni di artisti che rischierebbero di essere dimenticati. E’ il caso di Forlì, in Emilia Romagna, l’antica Forum Livii fondata dai Romani nel II secolo a.C. lungo la Via Emilia.
Oggi la città è la capitale della Romagna di mezzo, quella zona circondata dalle terre dei Malatesta che arrivano fino al mare e da quelle che portano all’Appennino. Piazza Aurelio Staffi è una delle più grandi d’Italia: il Palazzo Comunale, quello delle Poste e la Basilica-Abbazia di San Mercuriale rincorrono diverse epoche storiche.
San Mercuriale è il monumento più insigne di Forli con la sua facciata in mattoni, il portale marmoreo, e il campanile romanico. Il centro è un insieme di vicoli, porticati e piazze che svelano architetture rinascimentali, barocche e neoclassiche.
Per chi ama l'arte e la cultura una tappa indispensabile è il Museo di san Domenico, che dal 28 gennaio al 17 giugno ospita una mostra dedicata adAdolf Wildt, genio dimenticato del Novecento italiano.

Si è voluto scommettere su questo personaggio, tra i più sofisticati e colti del secolo scorso, per cercare di restituirgli la popolarità che merita grazie ad un’esposizione completa e di grande qualità.
La grande arte di Wildt viene messa a confronto con i capolavori di maestri del passato che per lui furono sicure fonti di ispirazione come Fidia, Cosmè Tura, Antonello da Messina, Dürer, Pisanello, Bramante, Michelangelo, Bramantino, Bronzino, Bambagia, Bernini, Canova, e con i moderni con cui si è originalmente confrontato tra cui Previati, Mazzocutelli, Rodin, Klimt, De Chirico, Morandi, Casorati, Fontana, Melotti.
La più grande retrospettiva mai realizzata su Wildt offre quindi richiami e confronti puntuali, diretti ed evidenti ed è anche una sequenza di capolavori mozzafiato.
I temi del mito e della maschera sono quelli da lui privilegiati, che gli consentirono di dialogare anche con la musica e la letteratura contemporanea, da D’Annunzio a Pirandello. Tra i capolavori più famosi i magnifici busti colossali di Mussolini, Vittorio Emanuele III, Pio XI e tanti eroi di quegli anni.
Estraneo al mondo delle avanguardie ed anticonformista, capace di fondere nella sua arte classico e anticlassico, Wildt è un caso unico nell’arte, con la sua incredibile eccellenza tecnica, lo straordinario eclettismo, le scelte formali caratterizzate da richiami gotici ed espressionisti estranei alla tradizione mediterranea.

Altheo "Moda". Redazionale Altheo People.

2012-01-15T16:30:00.000+01:00

Altheo "Moda". Redazionale Altheo People.
Prima Parte
Alessandro Giorgi, Diego Astori, Riccardo Mari, Frank Morris, Dimitri Cioffi, Roberto Tomassini.

A volte seri, a volte "cazzoni", a volte precisi spesso disordinati,

a volte creativi e a volte "stonfi".

Non seguono la moda...la rincorrono.

Se su una porta c'è scritto tirare, loro spingono.

Odiano stirare e l'Ikea.

Sono a volte sportivi e a volte solo tifosi.

Dicono a volte ci vedremo ma spesso dicono arrivo.

Li puoi incontrare in birreria o in un museo, ma

soprattutto e per fortuna, non si prendono sempre sul serio.

Sono gli uomini del futuro.

Gli Artisti.

Per ingrandire clikka sulla foto.

Altheo "profili": Duccio Trassinelli.

2012-01-15T16:23:00.002+01:00

Altheo people: Duccio Trassinelli

Duccio Trassinelli è nato a Firenze.
Nel 1970 fonda lo Studio A.R.D.I.T.I. , incominciando ad interessarsi di design nel campo dell’arredamento. Sviluppa con gli altri componenti del gruppo una ricerca su oggetti con caratteristiche formali originali ed una nuova filosofia d’uso; alcuni di essi sono poi presenti in numerose esposizioni nazionali ed internazionali .
Nel 1973 la rivista Bolaffi Casa premia come “Design del Mese “ la poltrona Memoria ,esposta all’ Eurodomus 1972 , 15 Triennale di Milano, Triennale di Milano 2008 "Made in Cassina", ed è nella collezione permanente del Museo di Cassina.

Tra i primi a sperimentare la bassa tensione, proponendo lampade che non solo illuminano, ma giocano con le superfici e lo spazio.
La lampada B.T. prodotta da SORMANI nel 1972 è nella collezione permanente del MoMA, New York e del Centre Pompidou, Parigi.
La lampada PRISMAR, prodotta da Sormani nel 1971 è nella collezione permanente del Centre Pompidou, Parigi e del Vitra Design Museum, Germania.
La lampada PONTE , prodotta da Sormani nel 1971 è nella collezione permanente del MoMa, New York.

Dal 1973 al 1983 è Docente di Progettazione all’Istituto Superiore di Disegno Industriale.
Dall’80 al 2000 si occupa di Industrial Design, collaborando con Aziende pubbliche e private.
Dagli anni 2000, seguendo il trend di oggetti tra arte e design, realizza, con il suo team, solo pezzi unici o edizioni limitate, focalizzando l’attenzione principalmente sugli apparecchi illuminanti.

Altheo "aperitivo in concerto". Michael Blake.

2012-01-13T17:20:00.001+01:00

Altheo "aperitivo in concerto": Michael Blake.
Domenica 22 gennaio 2012 ore 11.

Il tenorista Michael Blake, ben noto anche per le sue collaborazioni con Ben Allison, Enrico Rava e i Lounge Lizards, presenta un’appassionante lettura di un viaggio, musicale e culturale, da lui compiuto in Vietnam dopo la fine delle guerra con gli Stati Uniti.

Le affascinanti e incantatorie melodie di una tradizione antichissima vengono reinventate e reinterpretate da un gruppo musicale che comprende artisti di eccezionale rilievo come il batterista Hamid Drake, il vibrafonista Bryan Carrott, la flautista Nicole Mitchell, il trombettista Steven Bernstein, il chitarrista David Tronzo e altri ancora.

batteria e percussioni Billy Martin, batteria e percussioni Hamid Drake, vibrafono Bryan Carrott, contrabbasso e basso elettricoTony Scherr, violoncello Rufus Cappadocia, chitarra elettrica David Tronzo, tromba Steven Bernstein, tuba Marcus Rojas, flauti Nicole Mitchell, sassofono tenore Michael Blake.

Altheo"Gli speciali": Salvatore Fiume.

2012-01-13T16:56:00.001+01:00

Altheo"Gli speciali": Salvatore Fiume.
Prima Parte. Salvatore Fiume, un arte della bellezza, un arte che viene da lontano.

Le ragioni che ci hanno portato a dedicare uno speciale a Salvatore Fiume sono molteplici: la genialità poliedrica di questo artista, nato in Sicilia e arrivato a Milano a 21 anni, la sua capacità di misurarsi con pittura, scultura, architettura, scrittura e scenografia, la notorietà internazionale, la capacità straordinaria di diffondere bellezza e conoscenza, l'aver attraversato da protagonista un secolo, il Novecento, culla delle principali avanguardie culturali ed artistiche della storia unitaria della Nazione italiana.
Salvatore Fiume a tredici anni dalla morte, rimane di un attualità che sorprende: sono trascorsi più di 60 anni dalla sua prima mostra nella città di Milano, alla Galleria Borromini, nel 1949, eppure le opere che vengono esposte in tutte le parti del mondo sono la dimostrazione evidente di quanto le sue forme fossero coraggiosamente innovatrici.

Fiume fu artista poliedrico ma anche orientato ad una totalità organica: le diverse espressioni della sua ispirazione, come nella migliore tradizione culturale italiana, dovevano ricondurre ad un idea di armonia, di bellezza, di elevazione.
Un pittore che dialogava a colpi di pennello, un artista che reinventò la classicità attraverso l'incessante attività di composizione e ricerca stilistica che non è mai stata disgiunta da quelle che lui stesso, amante della definizione di artigiano, intendeva come totale dedizione al suo lavoro, nella convinzione che l'arte dovesse elevare la persona a rendere gli uomini più felici, esaltandone la gioia della vita attraverso la bellezza delle sue immagini e l'incantevole seduzione del colore.

Ecco il punto nodale, la differenza evidente rispetto alla volgarità imperante e alla manifesta volontà dissacratoria di una certa arte moderna: in Fiume, come tutti i grandi intelettuali del Novecento, l'arte è sempre al servizio dell'uomo, non irride la Tradizione e l'indentità di un popolo, semmai lo esalta con un dipinto, una scultura, un opera architettonica.
In Fiume l'arte non è mai scissa dalla ricerca di un Senso, dal tentativo di ricondurre ad unità virtuosa elementi in apparenza sconnessi.
Armonia, bellezza, senso, ricerca, identità. l'arte di Salvatore Fiume è esattamente il tipo di arte che vogliamo diffondere e far conoscere, soprattutto alle nuove generazioni e a tutti quanti ritengono ancora la conoscenza un'avventura straordinaria.

Nella Seconda Parte: Salvatore Fiume, un anticonformista del Novecento.

Altheo "Video": Turkish Cafè: "sulle punte".

2012-01-11T11:42:00.000+01:00

Altheo "Video": Turkish Cafè, "sulle punte".

Bruxelles, 2008: la chitarra di Julián Corradini e la voce di Veronica Punzo, marchigiane di adozione, si trovano nella stessa casa di Erasmus, nel quartiere turco della città.
Cominciano a suonare nel salotto, per poi spostarsi nella Grand Place.
Tornano in Italia già Turkish Café e nel 2009 conoscono il contrabbasso di Simone Giorgini: l'incontro creerà un'alchimia che da lì a poco li porterà a suonare nei più svariati locali, teatri, festival in giro per l'Italia, componendo, arrangiando, sperimentando note, suoni, parole, colori e deviazioni musicali dai profumi acustici, prendendo spunto dai loro (per fortuna diversissimi) gusti musicali e dalla loro (per fortuna diversissima) provenienza culturale.
Dopo aver suonato ovunque e partecipato ad alcuni rinomati festival, facendo sempre la loro discreta figura e addirittura vincendo, decidono di fotografare la loro musica: tra maggio e giugno 2011 registrano un disco (omonimo) che uscirà subito dopo, contenente soltanto i loro brani inediti.
Segue un TOURkish italiano.
A testa alta e sole in faccia !

Video: "sulle punte": Turkish Cafè.

Altheo "appuntamenti musicali": Turkish Cafè.
Altheo "incontri musicali": Turkish Cafè.

Altheo "Istanti": Kevin Carter. La bambina e l'avvoltoio.

2012-01-10T18:39:00.000+01:00

Altheo "Istanti": le foto vincitrici del Premio Pulitzer.
Kevin Carter. La bambina e l'avvoltoio. 1994.
La foto, il premio, l'accusa, il suicidio.

Kevin Carter, fotografo freelance e famoso cronista della lotta contro l'apartheid in Sudafrica, trovò il Sudan sull'orlo della carestia allorchè vi giunse per fotografare la guerra all'inizio del 1993.
Il Sudan, era impantanato in una guerra civile scoppiata nel 1956, all'epoca dell'indipendenza della Gran Bretagna.
Le popolazioni animiste del sud temevano la dominazione del governo a guida islamica del nord e cercavano l'indipendenza da oltre trent'anni.
Nel 1992 il governo aveva cercato di imporre la legge islamica al sud e si appropriava degli aiuti internazionali destinati a quell'area del paese.
La produzione alimentare locale, perennemente minacciata dalla siccità, era stata drasticamente ridotta dalla continua guerra civile.
Il conflitto e i sanguinosi scontri etnici avevano provocato milioni di profughi.
Alla fine le agenzie delle Nazioni Unite, attaccate sia dalle forze governative sia da quelle della guerriglia, interruppero la distribuzione di cibo nei villaggi interni.
Carter conosceva bene i conflitti sociali e politici che insanguinavano gran parte dell'Africa.
Per quasi tutta la sua carriera, aveva fotografato le violente lotte della sua terra natia, Il Sudafrica.
Aveva cominciato come fotografo di eventi sportivi del weekend, ma ben presto era entrato nell'organico di diversi giornali; era in contatto con un gruppo di fotografi sudafricani bianchi che si occupavano degli aspetti brutali dell'apartheid e insieme avevano seguito la pericolosissima guerra tribale tra i sostenitori di Mandela e quelli dell'opposizione Zulu.

Carter collaborava con tre fotografi: Greg Marinovich dell'Associated Press, Premio Pulitzer del 1991; Ken Oosterbroek, del Johannesburg Star; e il freelance Joao Silva.
Le loro fotografie dei feroci conflitti tribali erano tante note che un reporter di una rivista locale eveva soprannominato i quattro, che si muovevano insieme come forma di protezione nei sobborghi neri del Sudafrica, il "Bang Bang Club".
Nel febbraio del 1993 Carter prese un periodo di ferie e, insieme a Silva, andò in Sudan.
Il loro aereo atterò nel villaggio di Ayod, dove era stato approntato un centro di distribuzione alimentare.
Carter trascorse gran parte del giorno a fotografare la terribile scena delle persone affamate che avanzavano barcollando verso il centro in cerca di cibo.
Nel corso della sua sessione fotografica, s'incamminò nella boscaglia circostante e sentì i flebili lamenti di una bambina che, accovacciata nella polvere, arrancava verso il villaggio.
In quel momento un avvoltoio atterrò poco discosto. Carter si mise in posizione per fare una fotografia della bambina e dell'avvoltio in paziente attesa.
Ne scattò qualcuna, poi scacciò l'uccello.
In seguito gli amici di Carter riferirono che era abbattuto dopo aver scattato quella fotografia, ma lo struggente messaggio di quell'immagine toccò la sensibiltà di molti nel mondo.
In marzo; il New York Times, in cerca di uno scatto dal Sudan, usò la stravolgente immagine di Carter.
Ben presto fu ripresa anche da altri e diffusa a livello internazionale diventando un icona delle sofferenze dell'Africa.

L'uso sulla scala globale della fotografia e la fama che ne derivò, incoraggiarono Carter, che intanto era rientrato in Sudafrica, a lasciare le collaborazioni da freelance.
L'attività indipendente aveva aspetti attraenti ma anche lati negativi: lunghe attese tra gli incarichi, alti e bassi nelle entrate, nessuna copertura sanitaria nè indennità.
Carter firmò per l'agenzia Reuters ma per lui la strada era tutt'altro che in discesa.
Nell'aprile del 1994, solo pochi giorni dopo aver saputo che gli era stato assegnato il Premio Pulitzer, Carter e il Bang Bang Club seguirono i sanguinosi scontri poco fuori Johannesburg.
Carter lasciò la scena presto e rientrò in ufficio. Appena arrivò venne a sapere che il suo miglior amico Ken Oosterbroek era stato ucciso e Greg Marinovich gravemente ferito.
Carter ne fu sconvolto.
Sebbene un premio come il Pulitzer porti la notorietà e, con essa, una maggiore attenzione al lavoro di un fotografo, talvolta nocano gli sgarbi.
Alcuni colleghi di Johannesburg dissero che l'immagine era un colpo di fortuna, o che Carter l'aveva preparata in qualche modo.
A ferirlo di più, tuttavia, erano le critiche di chi metteva in dubbio il suo codice morale, sostenendo che un fotografo che si preoccupa dello scatto anzichè aiutare la bambina è solo un altro avvoltoio sulla scena.
Altri chiesero perchè non aveva aiutato la bambina.
Queste critiche non fecero che aumentare il suo turbamento.
In giugno la cerimonia del Premio Pulitzer portò Carter per la prima volta a New York, dove il mondo della fotografia gli rese il meritato omaggio.
Carter ne fu felice, ma una volta tornato in Sudafrica cadde in uno stato che i suoi amici descrissero di depressione.

La notte del 28 luglio 1994, dopo aver appena assaporato gli onori del Pulitzer a New York, Carter parcheggiò il suo pick-up rosso lungo il fiume che attraversa il sobborgo di Johannesburg dove era cresciuto.
Fissò l'estremità di un tubo di gomma alla marmitta con del nastro adesivo e infilò l'altra nell'abitacolo, salì a bordo, chiuse i finistrini e avviò il motore.
Lasciò una breve lettera di spiegazione che parlava di un uomo frustrato e perseguitato da ricordi implacabili di uccisioni, folli armati di fucili, bambini, affamati, cadaveri e dolore.
Diceva che andava a raggiungere il suo amico Ken.
Aveva 33 anni.

Altheo "profili": Annalisa Signore.

2012-01-10T18:33:00.000+01:00

Altheo "people": Annalisa Signore

Annalisa Signore ha 29 anni, una vita finora trascorsa a “Pane & Arte”... degli altri, però (almeno ufficialmente). Passione e abnegazione verso quell'espressione profonda e pervasiva dell’Uomo e della sua Vita nella Storia

Promuove e divulga per lavoro.

Ma produce, anche: le sue pulsioni interiori, le sue continue ricerche espressive, attraverso lo sguardo, nella sua mano, nel suo gesto e proiettate, materializzate da molti anni soltanto per sé, secondo uno schema autoreferenziale.

Solo recentemente, un’esperienza personale l’affranca da questa silente condizione e le permette di svelarsi finalmente all’esterno, ad occhi diversi dai suoi.

Il suo è un contatto prima istintivo, poi meditato con il mezzo pittorico e con il supporto sul quale, senza mediazioni, trasporta rapporti estremi, puri e complementari tra cromie, forme e spessori, annullando i mezzi toni, le “mezze misure” e le sfumature tenui ed enfatizzando, in questo ‘giuoco di opposti’, l’accostamento quasi improbabile del figurativo-astratto, poiché ripudia i compromessi e dunque la “via di mezzo”.

Il tutto si muove in “contenitori” fortemente simbolici.

Elabora un’immagine dall’impatto comunicativo immediato e, senza presunzione, una sorta di parodia personale, di provocazione della dialettica invasiva e seducente data dal vocabolario visivo attuale.

Altheo "proposte": Carlo Baldassari. "Dal nulla...forme e luce".

2012-01-10T16:29:00.000+01:00

"Dal nulla...forme e luce".
Carlo Baldessari.
Sassuolo.
Sabato 14 gennaio 2012.

Sarà inaugurata sabato prossimo 14 gennaio, a partire dalle ore 18,30 alla Paggeria Arte di Sassuolo in piazzale della Rosa, la mostra dal titolo “Dal nulla… forme e luce”: opere illuminate in cristallo riciclato di Carlo Baldessari. All’evento interverrà l’assessore alla Cultura Luca Cuoghi.
Nell’occasione verrà presentato anche il catalogo curato dal critico d’arte Elena Giampietri.
Paggeria Arte è una location indubbiamente prestigiosa, che sarà maggiormente valorizzata dalle creazioni di Carlo Baldessari: lampade dalle tinte ambrate, specchi dalle cornici cangianti, oggetti d’arredo e (in anteprima) gioielli, tutte opere uniche realizzate a mano e che prendono forma dal cristallo recuperato dalle vetrerie del territorio e dai maestri vetrai di Murano, da frammenti di vetro temperato di auto in demolizione, da mosaici ceramici in vetro e leghe preziose.
Gli oggetti realizzati sono sorprendenti per l’eleganza delle forme, la luminosa funzionalità, e il gioco sapiente degli incastri, frutto della conoscenza del processo creativo e tecnico insieme.
Carlo Baldessari è stato, infatti, un odontotecnico, capace di lavorare con le mani resine e impasti, di muoversi con abilità tra utensili leggeri, educato al lavoro di fino e alla perfezione, al gioco degli incastri e delle combinazioni.
E’ subentrata poi la voglia di creare, il desiderio di ricerca e di sfida nel nuovo percorso di artista. E questa voglia, questa passione, con il tempo è diventata la “sua unica passione di vita”.
L’esperienza e la professionalità, acquisite nel passato, gli hanno fornito la capacità di frammentare, smussare, assemblare e così realizzare con genialità, sculture ed oggetti nuovi, unici ed esclusivi che potranno essere ammirati sabato 21 e 28, domenica 15 e 29 gennaio dalle 10 alle 13 e dalle 16 alle 21.
Questa mostra di Carlo Baldessari è l’ultima di una serie di manifestazioni cui è stato invitato: le sue lampade hanno illuminato l’allestimento della fiction “Che Dio ci aiuti” di Rai 1 oppure hanno ambientato una location di “Svisti mai visti” di Canale 5 con il comico Giacobazzi; Carlo Baldessari è stato scelto per realizzare le sculture da assegnare al premio “Award 2010 Enogastronomia italiana” tenutosi a Firenze; le sue creazioni sono state esposte da Venezia alla Galleria Castello, ad “Arte Padova” , da “Immagina arte” di Reggio Emilia all’Art Gallery di Fano, ma anche alla galleria I.M. di Portorotondo; dal Natale 2009 (da quando per la prima volta Carlo Baldessari ha esposto alla Galleria Europa del Municipio di Modena) ad oggi le sue opere hanno illuminato la notte dei Musei, la serata “Streghe di vino e di verso”, il foyer del teatro Carani di Sassuolo per culminare con la mostra “Lampade tricolori” in occasione del 150° dell’Unità d’ Italia.
In progetto per questo nuovo anno l’esposizione alla Fiera d’arte contemporanea di Genova, in estate all’hotel Majestic di Cannes e alla galleria Monteforte di Forte dei Marmi.